Recent Event Highlights: Escuela Japonesa, Tercera fase Bauhaus, Segunda fase Bauhaus, Primera fase Bauhaus, Arts and Crafts Society, William Morris inicia el Arts and Crafts, and 47 more...
Created by historiatec on Jan 30, 2011
Last updated: 02/02/11 at 06:40 PM
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El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos.
La arquitectura y el urbanismo recibieron un gran impulso tras la Segunda Guerra Mundial, debido a la necesidad de reconstruir el país. Surgió entonces una nueva generación de arquitectos encabezada por Kenzō Tange, autor de obras como el Museo Memorial de la Paz de Hiroshima, la Catedral de Santa María de Tokio, el Estadio Olímpico para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964, etc. Tange y sus discípulos desarrollaron el concepto de la arquitectura entendida como «metabolismo», considerando los edificios como formas orgánicas que deben adaptarse a las necesidades funcionales.
En los años después Segunda Guerra Mundial, un grupo de los artistas de Nueva York formó el primer movimiento americano para ejercer influencia importante internacionalmente: expresionismo abstracto. Este término, que primero había sido utilizado en 1919 en Berlín, fue utilizado otra vez en 1946 cerca Roberto Coates en Tiempos de Nueva York, y es tomado por los dos críticos principales del arte de ese tiempo, Harold Rosenberg y Greenberg clemente. Se ha criticado siempre como demasiado grande y paradójico, con todo la definición común implica el uso de arte abstracto para expresar sensaciones, emociones, dentro del artista. La primera generación de expresionistas abstractos fue compuesta de artistas por ejemplo Pollock de Jackson, Willem De Kooning, Marque Rothko, Franz Kline, Arshile Gorki, Roberto Motherwell, y Hans Hofmann entre otros. Los miembros de la generación artística siguiente favorecieron una diversa forma de abstracción: trabajos de medios mezclados. Entre ellos estaban Roberto Rauschenberg (1925-) y Jaspe Johns (1930-), que utilizaron las fotos, el papel prensa, y desechó objetos en sus composiciones. Artistas del estallido, por ejemplo Andy Warhol (1930-1987), Ríos de Larry (1923-2002), y Roy Lichtenstein (1923-1997), reproducido, con cuidado satírico, objetos e imágenes diarios de las botellas populares americanas de la cultura-Coca-Cola, latas de la sopa, historietas. El realismo también ha sido popular en los Estados Unidos, a pesar de tendencias modernistas, tales como las escenas de la ciudad cerca Tolva de Edward y las ilustraciones de Rockwell normando.
En la visita de Breton a México se vio la presencia del surrealismo. Y fue México el primer país latinoamericano que recibió el producto de esa emigración. Aunque antes de la influencia directa o indirecta del programa de movimiento vanguardista europeo, México ya contaba con una serie de artistas cuya obra tenía tendencias similares a las requeridas. Entre los artistas se encuentran son Julio Ruelas, Roberto Montenegro, Antonio Ruíz, Manuel Álvarez Bravo, Frida Kahlo, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, y Julio Galán, quién hasta la época de los 1990’s seguía siendo fiel representante de este movimiento. Tradicionalmente desde el inicio de la pintura surrealista se organizaron exposiciones donde apareció el exponente de este arte a nivel internacional. Hasta este momento la exposiciones se habían celebrado en distintos países europeos pero la influencia de la guerra obligó a trasladar dicho evento a otros continentes.
El realismo socialista es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de la historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, en la República Popular China y, en general, en la mayoría de países socialistas. El realismo socialista fue, en cierto modo una reacción contra los estilos burgueses anteriores a la revolución, convirtiéndose en política oficial del Estado en 1932 al promulgar Iósif Stalin el decreto de reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas.
Alcanzó su mayor reconocimiento. En 1933, bajo la dirección de Ludwig Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín, ya que el partido nazi decide cerrar la escuela , y es ahí en donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
El surrealismo surge en Francia y es un movimiento artístico y literario. Comienza en 1924 con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien pensaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo para comprender al hombre en su totalidad. Este movimiento nace del automatismo puro, es cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Plasma por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Se utilizan recursos como animación a lo inanimado, fragmentos anatomicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, caos, perspectivas vacías. Los principales representantes de este movimiento fueron: Salvadio Dalí, quien utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, Óscar Domínguez quien inventó la decalcomanía. Y Miró quien utilizaba un automatismo psíquico puro.
También desarrollada en Weimar, fue más racionalista que la primera. En esta fase se sustituye la anterior tendencia expresionista por la nueva objetividad, un estilo también expresionista pero más sobrio. Se incorpora a la Bauhaus László Moholy-Nagy y supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. Klee escribe “Vías del estudio de la naturaleza” (1923) Kandinsky publica “Punto y línea sobre el plano” (1926)
El Art déco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), influenciando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.
El muralismo es un movimiento artístico mexicano de principios del siglo XX que se distingue por tener un fin educativo. Este fin educativo se consideró esencial para poder lograr unificar a México después de la revolución. Gran parte de estos artistas, debido al contexto que se vivía en la post-revolución, tuvo una gran influencia de las ideas marxistas por eso a través de los murales se proyectó la situación social y política del México post-revolucionario.
Se desarrolló en Weimar. Fue la fase idealista y romántica ya que era el momento de fundar los objetivos de la escuela: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público". Una de sus metas era la venta de productos elaborados en la escuela y asi independizarse del Estado quien los subsidiaba. En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas.
La Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania). La fundación de la Bauhaus se promovió en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en Europa, particularmente en Alemania. Esta escuela parte de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela
De Stijl o Die Stijl ("El Estilo") era un movimiento artístico principalmente pictórico y arquitectónico formado en Holanda en 1917. El grupo de artistas que editaban la revista se formó en la ciudad de Leiden. Pertenecían a este movimiento Vilmos Huszar, Antoine Kok, Piet Mondrian, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg. Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban "expresar la consciencia general de su época". De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas.
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos Dadá: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido. A pesar de no ser una parte extensamente conocida de la obra de Dadá, la influencia del dadaísmo se extiende a la música. Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezó a tomar forma la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. En ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire conteniendo aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó la publicación.
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. El término construction art (‘arte para construcción’) fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917. El término «constructivismo» aparece por primera vez como algo positivo en el Manifesto realista (1920) de Gabo Diem. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Aplicó el constructivismo a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski, que en 1918 suprimió la vieja Academia de Bellas Artes (en Petrogrado) y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo Diem señalaría más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.
Fue el nombre que recibió un grupo de artistas expresionistas, fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc en Múnich en 1911. También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Kefferin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval así como los movimientos coetáneos del Fauvismo y el Cubismo. August Macke y Franz Marc defendían la opinión de que cada persona posee una verdadera vivencia u experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Kandinsky construyó las bases teóricas que cimentaron esta idea.
Este movimiento surgió en Milán, Italia con Filippo Tommaso Marinetti, quien escribió Manifeste du Futurisme. Se caracterizó por la búsqueda de captar la sensación de movimiento, en su mayoría, un movimiento agresivo; quería romper la tradición, y con los signos conv encionales. En 1910 los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas. La belleza del futurismo estaba basada en las máquinas y su velocidad, este movimiento no solo fue artístico, ya que también impulsaba a que la sociedad tuviera cambios de pensamiento y de ideologías. También el uso de la tipografía deja de ser un elemento de comunicación y adquiere personalidad y se manifiesta una sociedad de consumo.
El cubismo se desarrolló entre los años 1907 y 1914 y nació en Francia; y fue el movimiento que rompió definitivamente con la pintura y por ende, con la perspectiva tradicional. En la pintura de este movimiento, no hay sensación de profundidad, utiliza tonos grises, verdes, marrones. Sus principales impulsores: Pablo Picasso, Georges Braque y Cézanne tenían la idea de que todas las formas de la naturaleza están basadas en la esfera, el cono y el cilindro, y llevaron esta idea tratando de pintar objetos en tercera dimensión vistos de muchos ángulos diferentes al mismo tiempo y en un lienzo plano. Dentro de este movimiento, en 1911 se usa también materiales como pedazos de periódico, pedazos de tapiz y etiquetas, a lo cual se le llama collage cubista.
El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
Aunque la conceptualización del arte moderno sea complicada (dependiendo del punto de vista, este puede abarcar periodos y movimientos diversos), suele haber un consenso de que este está estrictamente relacionado con las vanguardias artísticas que proliferaron a inicios del siglo XX, consideradas como una evolución del obra del trío Van Gogh-Gauguin-Cezànne. De cualquier forma, la idea de modernidad está en general relacionada con una nueva forma de lidiar con el problema estético, repudiando las reglas de la tradición y buscando un "espíritu de la época". A causa de esto, los distintos movimientos modernos y vanguardistas son, muchas veces, antagónicos. En esta época también surge el cine. Seguido del Impresionismo viene el fauvismo, considerado por algunos como el primer género "moderno" de arte. Así como los impresionistas revolucionaron el uso de la luz, también lo harán los fauvistas con el color, al ser repensado en cuanto expresión. Después del fauvismo, el arte moderno comenzó a desenvolverse en todas las formas, yendo del Expresionismo (preocupado por la evocación de emociones), al Cubismo (repensando el espacio bidimensional y su relación con el espacio tridimensional), y el arte abstracto. Estas nuevas formas de arte aumentarán los límites de las nociones tradicionales de lo que se considera "arte" y se corresponde con los cambios similares que acontecían en la sociedad humana, en la tecnología y el pensamiento. En medio de un ambiente pesimista marcado por la Primera Guerra Mundial surge el dadaísmo como corriente que intenta romper con todos los esquemas tradicionales del arte y con la propia idea de belleza, presentándose a sí misma como una corriente antiartística. El Surrealismo es normalmente clasificado como una forma de arte moderno. Pero los propios surrealistas propusieron la corriente del surrealismo como una nueva era en la historia del arte, diciendo que aquella noción (surrealismo en cuanto una de las fases del arte del periodo) simplificaba demasiado la relación del surrealismo con la estética y falsamente lo caracterizaría como un movimiento restringido a un determinado periodo. Los surrealistas estaban preocupados con la "escritura automática" del ser humano, reveladora de su subconsciente (el psicoanálisis de Freud influyó decisivamente en el surrealismo).
Se desarrolló en Europa, y es conocido como Art Nouveau en Bélgica y Francia, Modern Style en Inglaterra, y Modernismo en España e Hispanoamérica. En la arquitectura y la decoración, se utilizaba el hierro expuesto y grandes piezas irregulares de cristal pero por lo mismo este tipo de arte era caro de producir. También buscaba la asimetría, y el poco uso del realismo. Utilizaba mucho imágenes femeninas, en actitud delicada, y buscaba aprovechar las ondas de el cabello y de los plieges de la ropa
Este movimiento fue iniciado por William Morris en los años 1860’s, y en 1888 se funda Arts and Crafts Society, en donde encontramos a seguidores de William Morris como Coley Burne-Jones quien ya había colaborado con Morris en William Morris & Co. Y a Walter Crane, en esta sociedad se encuentra un fuerte renacimiento de los métodos artesanales.
Entre 1880 y 1890 se buscaba seguir pintando sobre el mundo contemporáneo pero se buscaba dar un aspecto más personal, más expresivo, en lugar de enfocarse en los efectos cambiantes de la luz en los objetos. Aunque en la mayoría de las pinturas de este movimiento podemos notar el uso de la luz, también se agregó el uso de un color más intenso y del regreso de contornos más gruesos y formas más sólidas. Los precursores más importantes son Paul Cézanne, Vincent van Gogh y Paul Gauguin, quienes mostraron una preocupación por la estructura y forma de los objetos, a diferencia de los impresionistas.
El movimiento comenzó a finales del siglo XIX en Europa, más que nada desarrollándose en Francia y Bélgica. Se puede describir a este movimiento como la fusión de una sensibilidad exagerada con el luto, o con situaciones espeluznantes. Este movimiento, rechazaba al realismo y al naturalismo, fue una reacción a ambos movimientos, era la búsqueda de la espiritualidad, los sueños y la imaginación. Tuvo una gran influencia en los próximos movimientos a desarrollarse en el siglo XX, ya que su característica, como su nombre lo dice, es el uso de símbolos para expresar la vida del artista, su entorno, el uso de seres mitológicos y situaciones que podrían parecer irreales. Algunos de los principales precursores en las artes visuales fueron: Pierre Puvis de Chavannes, Odilon Redon y Gustave Moreau.
Este movimiento fue iniciado por William Morris en los años 1860’s, y se ve impulsado a iniciarlo como un rechazo hacia la producción en masa, ya que con la revolución industrial todo era mecanizado y se minimizó el trabajo artesanal. Morris impulsó a una industria de textiles, y se rodea de arquitectos y diseñadores importantes. Este movimiento se caracteriza por un retorno a la naturaleza, a lo delicado, a lo lejano a la exageración. Pero siempre buscando regresar a lo medieval, por lo menos en algún elemento. En 1861 funda junto con Burne-Jones y Rossetti William Morris & Co. en donde se fabricaban artículos de decoración e utilizaban vidrio de colores, colgantes de papel , el tallado de materiales como madera y metal.
En las décadas centrales del S. XIX, el Romanticismo y su idealización de la historia, de la sociedad y sobre todo de la naturaleza, cuyo tratamiento era un motivo de evasión, deja paso a una corriente que se interesa por la realidad. El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar.
Reinado de Victoria I de Inglaterra. Revolución industrial: cambios tecnológicos, socioculturales y económicos. Dulzura, amor por lo tradicional, conservadurismo, moral, optimismo. Confusión estética: saturación visual, poca propuesta a cambios en la moda. Comienzan las exposiciones mundiales de Londres y París… las potencias mundiales querían mostrar su opulencia.
Se conoce como "Ilustración" al movimiento filosófico que se originó y desarrolló en Europa (particularmente en Francia, Inglaterra y Alemania) durante el siglo XVIII. Este movimiento consideraba que todo lo antiguo tenía un ambiente de oscuridad, y que su nueva ideología iba a “iluminar” al pensamiento europeo. Los filósofos ilustrados buscaban la verdad científica y se basaron en la razón para explicar la realidad del mundo en el que vivían. La ilustración es para la historia un sistema de pensamientos producido por los intelectuales en un ambi ente de autonomía y libertad de la razón individual, donde cada persona podía instruirse en busca de la verdad científica. Era sobre todo, un programa educativo orientado a elevar el nivel cultural de la sociedad y mejorar la situación de quienes desearan cultivar la razón y salir de la ignorancia. La ilustración seguía estas ideas y principios: - Empirismo: Experimentación contra Fe, para conocer el mundo y conseguir el progreso. - Criticismo: Somete a crítica racional a todo conocimiento anterior. - Deseo de conocimiento: Se quiere conocer por completo al mundo, y conocer lo ya aprendido. - Felicidad: Tenían como objetivo conseguir la felicidad en el mundo. - Utopía: Creían que aplicar la razón a todos los aspectos de la vida permitiría una mejora constante de la sociedad y un progreso económico y cultural ilimitado. - Reformismo: Modernizar la sociedad, por reformas que serían llevadas a cabo por gobierno absolutista. Sus principales representantes son: Voltaire, Montesquieu y Jean Jacques Rosseau.
Ukiyo-e (浮世絵?), "pinturas del mundo flotante" o estampa japonesa. Es un género de grabados (realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera) producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne. Ukiyo, hace referencia a la impetuosa cultura chōnin que tuvo auge en los centros urbanos de Edo (actualmente Tokio), Osaka, y Kioto y que era un mundo dentro de sí. Es una alusión irónica al término homónimo "Mundo Doloroso" (憂き世), el plano terrenal de muerte y renacimiento en el que se basa la religión budista. Esta forma de arte alcanzó su mayor grado de popularidad en la cultura metropolitana de Edo durante la segunda mitad del siglo XVII, originándose con los trabajos de un solo color de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. En un principio, solo se utilizaba tinta india, y luego algunos impresos eran coloreados de forma manual con pinceles, pero en el siglo XVIII Suzuki Harunobu desarrollo una técnica de impresión polícroma para producir nishiki-e. Algunos exponentes de esta corriente son: Hiroshige, Hokusai, Kunichika, Kunisada, Sharaku, Toyokuni, Utamaro, Yoshitoshi ,Chikanobu.
El monumento románico más difundido de Italia es la Catedral de Pisa, excepcional conjunto que incluye el Baptisterio, el edificio catedralicio propiamente dicho y el campanario.
La escultura románica, se inserta en general, dentro de las metas artísticas del movimiento del arte románico, incluida la comunicación entre la Iglesia católica y los fieles, lo que es el reino de Dios en la tierra y el templo. Así, la escultura tuvo una estrecha relación con la arquitectura, insertándose como un elemento complementario, y se dedicó principalmente a la enseñanza de las escenas bíblicas con relieves de piedra que fueran comprensibles para los creyentes laicos
Se manifiesta principalmente en la decoración de muros interiores de iglesias, en pinturas de frontales de altar, en miniaturas o iluminaciones de códices, alguna vez en mosaicos de pavimentos, esmaltes para decoraciones del mobiliario y en algunas vidrieras de colores que empiezan a usarse en su época.
El románico supone el arte cristiano, agrupando las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguiendo formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas
El monasterio de Cluny, fundado en el año 930, se convierte en el gran centro difusor de la reforma, alcanzando rápidamente una gran expansión y consiguiendo que a través de sus monasterios el arte románico se difundiera por todo el mundo cristiano europeo.
La influencia del islamismo en España se dejó notar en La Catedral de la Asunción de Nuestra Señora, o Antigua Mezquita de Córdoba. Se comenzó a construir en el 786 en el lugar que ocupaba la basílica visigótica de San Vicente Mártir
Es un templo islámico situado en Jerusalén, en el centro del Monte del Templo. Fue construido entre los años 687 y 691 por el noveno califa, Abd al-Malik. También se le conoce como la mezquita de Umar debido a que es el lugar donde el segundo califa Umar rezó tras la conquista de Jerusalén por parte de los musulmanes. Los musulmanes consideran además que éste fue el lugar donde Mahoma subió al cielo. Según la tradición, la Cúpula se construyó en honor a Alá. Es uno de los lugares más representativos de Jerusalén.
Los primeros objetos islámicos son muy difíciles de distinguir de los objetos de épocas anteriores sasánidas y bizantinas, o ya omeyas. De hecho, el islam nació en efecto, en las zonas donde el arte parece haber sido poco abundante, pero rodeadas de imperios notables por su producción artística. Es por ello que, en los inicios del islam, los artistas islámicos utilizaron las mismas técnicas y los mismos motivos que sus vecinos
Obra maestra del arte bizantino ubicada en la Iglesia de San Vitale en Ravena cuyo tema central con los pasajes biblicos
Se construye la Iglesia de Santa Sofia de Constantinopla, catedral cristiana dedicada a la segunda persona de la Trinidad, es una de las obras más sublimes del arte bizantino. Fue construida durante el mandato de Justiniano I
Las obras capitales de la escultura bizantina son las pequeñas obras, dípticos y cajas, talladas en marfil, destacando el díptico Barberini, del siglo V, o la célebre Cátedra del obispo Maximiano, en Rávena, tallada hacia el año 533 sobre placas de marfil con minucioso trabajo. El arte bizantino fue el más importante que otros tipos, de artes en existentes en el mundo.
La escultura de la época se halla especialmente representada por los sarcófagos decorados con temas del Crismón, estrígilos, escenas bíblicas y representaciones alegóricas. Entre ellos se destacan el de Santa Engracia en Zaragoza
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