Linea de tiempo de movimientos musicales del S XX
Created by naticereijo on Apr 10, 2011
Last updated: 04/10/11 at 02:20 PM
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Esta tendencia es una reacción a la complicación de la música contemporánea; también a la huida de buena parte del público. Su meta es componer una música sencilla y directa, partiendo de los siguientes supuestos: - Sencillez de medios y estructuras - Uso de nuevo de la tonalidad de una manera estática y repetitiva - Uso de temas bellos, transparentes y con una textura clara. Se destacan: Tierry Riley, La Monte Young, Steve Reich y Philip Glass. Riley si bien está muy ligado a la técnica anterior, aporta novedades en el sentido de componer una música unida ya a modelos repetitivos, como se ve en "Keyboard Studies (1963) o en "In C" (1964) A partir de 1965 los más destacados en el campo del minimalismo son los nombrados anterimente, Steve Reich quien proviene del jazz y de la música popular. Philip Glass se ha hecho famoso a través de las óperas "Einstein en la playa", "Satyagraha" ambas de gran exito popular.
Se basa en el uso de citas de la música tonal tradicional en las nuevas composiciones. Si bien estas citas antes ya fueron usadas como el caso de Stravinsky en Pulcinella, lo novedoso es que ahora son usadas como objetos externos, que se elaboran, se distorcionan y se usan a lo largo de toda la obra. Es decir, el autor se distancia totalmente de lo anterior mediante distorsiones y yuxtaposiciones. Se destacan en el uso de esta técnica compositores como: Lukas Foss, Luciano Berio, Werner Henze. Una variedad de esta corriente es el empleo del rock, jazz y música populares; el mejor símbolo de ello es Frank Zappa, Terry Riley, Philip Glass, Glenn Branca y Laurie Anderson.
La tendencia a finales de 1950 fue componer música atendiendo a sus atributos sonoros más amplios en lugar de a una acumulación de detaller individuales. Ocuparon el centro los compositores polacos como: Pendereki y Ligeti. Pendereki trasladó su atención desde las notas individuales a los clusters (bandas homogéneas de notas adyacentes y generalmente cromáticas) para dar más lugar a masas sonoras dinámicas (ruidos) que a cada nota diferenciada. Esto trae aparejado nuevos modos de acción instrumental. Geörgy Ligeti emprendió una búsqueda similar, pero para la elaboración de los clusters utilizó componentes sonoros separados (sonidos no adyacentes) producidos de esta forma un movimiento de texturas.
Surge como reacción al serialismo integral y también a la indeterminación. Es una forma de componer basada en el uso de la computadora y de la estadística a la hora de realizar la obra sonora. El gran cerebro de esta música es el griego Yannis Xenakis quien, al ser ingeniero y matemático le permitió generar un concepto con fuertes analogías entre música y arquitectura. Ambas disciplinas son realizaciones concretas de cálculos matemáticos abstractos. En su concepción teórica trata de incorporar lo determinado con lo indeterminado, buscando una causalidad de efectos sonoros en masa. Construye gráficos de cálculos matemáticos que luego traduce a la notación musical. Para el caso, el compositor entiende que la matemática es la herramienta.
La corriente indeterminista fue una de las más significativas producidas en la posguerra. A principios del siglo XX Charles Ives ya había integrado elementos indeterminados en sus obras, aunque se considera el inicio a partir de la década del 50 y estuvo bajo la incidencia del músico norteamericano John Cage, quien a su vez tuvo influencias de Edgar Varese. La composición del azar o de la indeterminación es un modo de componer esencialmente intuitivo y nada sistemático. La música aleatoria o indeterminación es aquella en que el autor no escribe o determina totalmente la música que hay que tocar, sino que los músicos -en el momento de ejecutarla- tienen, diríamos, que inventar o completar la partitura. Precisamente el nombre de aleatoria le viene de la palabra latina "alea", que significa dados, haciendo alusión a que -en ella- parte de la música se compone al azar, según lo que en aquel momento le sugiera al intérprete. La concepción musical es formulada como una organización de sonidos, entendiendo "el sonido" en el sentido más abarcativo y amplio. Las composiciones se basan en estructuras temporales medidas, que seccionan el desarrollo en unidades esquemáticas. Cada unidad existe por sí misma y es relativamene independiente de las otras unidades (el sonido no es resultante de uno anterior, ni guarda relación con el que le continúa). Este es uno de los propósitos y fundamentos de la indeterminación. Dentro de esta tendencia podemos ubicar a: John Cage, Mauricio Cagel, Luciano Berio, Karl Stockhausen, Krzysztof Pendereki, Morton Feldman, entre otros.
La música debía comprender sonidos aislados, que no debe contener relación con lo anterior ni lo posterior. Hay una estrecha relación de correspondencia con la concepción pictórica: de la misma manera que el ojo junta todos los puntos para concebir la forma, el oído relaciona los sonidos separados para establecer una relación lineal. Esto se ve claramente trazado en la música de Stockhausen en su obra "Gruppen" de 1955-1957.
La Segunda Guerra Mundial dejó a Europa destrozada, por lo que las artes sufrieron una fuerte conmoción. Hubo que reconstruir el continente y como consecuencia surgen nuevos caminos expresivos, sobre todo un nuevo espíritu experimentador que hace que hablemos de "vanguardia". Música concreta: Los primeros desarrollos significativos tuvieron lugar en 1948 donde el técnico en sonido Pierre Schaeffer comenzó a producir pequeños estudios grabados basados en las transformaciones de sonidos "naturales" como el de un tren o un piano. Dicho proceso de transformación incluía: la adaptación de porciones de sonido, la variación de la velocidad del play-back, el hacer que los sonidos fueran de atrás hacia delante (cinta invertida) y la combinación de diferentes sonidos (overdubbing). Como ningún sonido natural puede ser considerado como un "objeto sonoro", todos los sonidos son igualmente apropiados como material musical. Schaeffer llamó a este tipo de música electrónica MUSIQUE CONCRETE. Pierre Henry se unió a Schaeffer y juntos produjeron la primera obra extensa de música concreta: Symphonie pour un homme seul en 1950, basada principalmente en distintos tipos de sonidos vocales modificados (respiración, risa, silbido, discurso) que se combinan con otros tipos de sonido transformado (música orquestal, pisadas, etc.) Muchos compositores activos durante la década de 1950 comenzaron a interesarse en este estudio: Messiaen, Varese, Boulez, Stockhausen y Xenakis. Música electrónica: El primer estudio destinado a producir música exclusivamente mediante medios electrónicos fue fundado en 1952 por el compositor alemán Herbert Eimert. Además de las grabadoras de cintas de velocidad variable y los filtros, las cámara de eco, los amplificadores y todos los materiales que solían existir en los estudios de música concreta, contaba con aparatos electrónicos productores de sonido: los osciladores y generadores de ruido. Con todo ello, los compositores pudieron construir su propio material en lugar de tomar como base sonidos naturales con características tímbricas pedeterminadas que, incluo cuando se modifican, no cambian totalmente. Las primeras composiciones de Stockhausen realizadas en el estudio Colonia (Alemania) "Study I" de 1953 y "Study II" de 1954 fueron los primeros ejemplos de música electrónica pura. Ellos exploraron sistemáticamente una de las técnicas básicas de las primeras construcciones sonoras electrónicas, la síntesis "aditiva", mediante la cual, los sonidos se crean al combinar distintas ondas de forma indefinida (los sonidos "puros" sin armónicos) con el fin de crear estructuras armónicas artificiales y, por lo tanto, nuevos timbres. Para la década de 1960, la música electrónica había comenzado a asumir una importancia comercial en la radio, televisión y cine, principalmente como una fuente de efectos unusuales. El logro más importante fue el descubrimiento de una forma de integrar los distintos componentes disponibles -osciladores, amplificadores, generadores, filtros, etc.- dentro de una consola, por lo que las unidades individuales podían combinarse y estar controladas por un único contro de voltage (generalmente un teclado). Esta unidad integrada, que con el simple añadido de una grabadora se convierte en un estudio electrónico básico, fue llamado "sintetizador", una máquina capaz de combinar artificialmente, o sintetizando, sonidos puramente electrónicos. Música electroacústica: En esta técnica se unen ambos sistemas aumentando las posibilidades de creación. Además de los antes mencionados, se destacan: el italiano Luciano Berio y Bruno Maderna, los japoneses MOroi y Mayuzumi. Música por ordenador: se destacan los norteamericanos Illiac e Hiller y el francés Pierre Barbaud.
Al mismo tiempo que surgen las innovaciones de la música concreta y electrónica, se sigue profundizando en las consecuencias del Dodecafonismo, sobre todo a través del compositor Anton Webern quien organizó, además de la altura, otros parámetros como la duración, la intensidad y el timbre. Con ello Webern pretendía controlar todas las variables musicales, inventando de esta forma el "serialismo integral". Éste es la manera de componer en que ordena, en una serie de sonidos, compuestos según el sistema dodecafónico, a todos los demás elementos sonoros: ritmos, timbres, intensidades, etc; surgiendo así una música totalmente organizada, calculada, donde cada nota -cada punto sonoro- tiene su estricto sentido, por eso se le aplica también el término de "puntillismo". Dentro de los compositores destacados se encuentra el organista Oliver Messiaen quien influyó sobre sus alumno Pierre Boulez y Karl Stockhausen.
La ciudad de Viena disputa a Paris la primacía como directora de la actividad cultural. Alli se dan las revoluciones de pintores como Kandinsky, Kokoschka, el arquitecto Loos, el escritor Kafka y el psicoanalista Freud. Se crea entre ellos un círculo donde se ponen en común muchas ideas revolucionarias. En la muy activa Viena y casi al mismo tiempo que se formula el Neoclasicismo en Paris, nace otra corriente estética que está en la antípodas de esta corriente y que conocemos con el nombre de Dodecafonismo o "música serial". Esta técnica fue inventada por Arnold Schoenberg con la obra "Cinco piezas para piano". Él mismo lo definió como composición con doc sonidos sin relación entre ellos, es decir, un sistema de componer poartiendo de los doce sonidos de la escala cromática que ya conocemos y colocados en una serie. Esta "serie original" seria como el tema a partir del que se construye, y sufrirá las siguientes variaciones: - La retrogradación - La inversión - La retrogadación de la inversión. Aunque la serie determina la sucesión de notas utilizadas en una pieza, no señala ni sus registros ni sus duraciones. Tampoco señala la disposición de la textura o la forma de la música. El resultado sonoro se parece a lo que hemos denominado Atonalismo de esta manera: - Al ser todas las notas iguales, se pueden relacionar libremente sin que haya unas más importantes que otras. - Ello lleva a la presentcia abundante de la disonancia. - La melodía es libre, no tiene lógica armónica. - Se crea una música de claro carácter melódico y no armónico. Esta revolución iniciada por Schoenberg, fue seguida de inmediato por dos de sus alumnos: Alban Berg y Anton Webern. Los tres formaron lo que se denominó La Escuela de Viena. -
Hay algunos autores independientes difíciles de calificar, pero que no pueden pasar desapercibidos precisamente por su peso y aportación peculiar. Entre ellos se destacan: Charles Ives y Edgar Varese. Charle Ives es el primer músico que desarrolla una acividad musical de gran originalidad, sobre todo rítmica; en su England symphony superpone dos marchas distintas con ritmos diferentes. Fue capaz de abarcar todos los tipos de música y fusionarlos en una síntesis más amplia. Resulta imposible trazar una cronología clara en la producción de Ives ya que trabajaba en sus composiciones durante largos períodos de tiempo. Piezas que van desde los primeros años de su producción revelan técnicas innovadoras como "The song for Harvest Season" de 1893, que contiene una Fuga a cuatro partes en la que cada una de las partes está escrita en una clave diferente. La melodía de "At the Rivers" de 1916, extraída de la melodía de un himno muy conocido de Robert Lowry, proporciona un ejemplo de una de las técnicas más características de Ives: la cita musical. "Two little flowers" de 1921 en cambio conservan un lenguaje musical más sencillo que había sido abandonado por los compositores progresistas contemporáneos de Ives. El uso que éste realiza de la cita le permite un acercamiento hacia la composición totalmente nuevo, entendido como una unión de elementos heterogéneos dentro de una síntesis mayor. Edgar Varése aporta grandes novedades en la experimentación con el ritmo y con la orquesta, sobre todo en los instrumentos de percusión. Su experimentación se basó en un criterio de objetivación de la realidad de un mundo mecanizado. Se situó en una posición extremadamente radical para concebir sus imágenes abstractas, que se originan a partir de chirridos, rugidos de motores, silbatos, turbinas, zumbidos, etc. Produce masas sonoras y elabora la espacialidad a partir de la superposición de diferentes planos sonoros. El material musical es el sonido y el ritmo (como ortanización), interactuando con la tensión que juegan contrapuntísticamente esos elementos. Varése vio en la percusión como el único componente de la orquesta tradicional que aún ofrecía oportunidades para poder llevar a cabo una expansión significativa y la introducción de nuevos recursos tímbricos. Trata de evitar los instrumentos de cuerdas dando importancia a los vientos maderas, metales y los de percusión. Ionisation de 1931 es la obra más conocida. Los instrumentos utilizados están clasificados en tres grupos: a) los de altura definida. b) los de altura indefenida. c) instrumentos de afinación continua. En una de sus últimas producciones, "Desert" de 1954, Varese utilizó instrumentos convencionales, de viento, de madera, metal, piano y percusión además de sonidos grabados. Sus primeras obras son de la década del 20.
Finalizada la 1era guerra mundial surgen dos caminos contrapuestos en la música: el Neoclasicismo y el Dodecafonismo. El Neoclasicismo pretende ser una música agradable y biensonante, en buena manera influida por la bella música del Barroco y el Clasicismo; donde se recuperan los valores de los músicos de aquel periodo y rechazo de los últimos lenguajes de vanguardia. Lo elementos que determina al Neoclasicismo a grandes rasgos son: la vuelta a las formas barrocas y clásicas como ser el concierto, sinfonía, suite, etc. Recuperar la melodía. Textura lineal y transparente, evitando las emociones intensas. Riqueza colorística en la orquestación, no se usan las grandes orquestas sino más bien, pequeñas y características. El iniciador de esta línea musical fue el compositor ruso Igor Stravinski quien compuso importantes obras para ballet antes de la 1era guerra mundial, como ser: El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera. Su estilo se unió a ciertos gustos musicales de Europa y América como: la influencia del music-hall, música de cabaret y de circo, la música jazz en norteamércia. Estas tendencias se pueden concretar asi: - En Francia, inspiró la música del "Grupo de los Seis" - En España, la denominada "Generación del 27" - En Alemania, el movimiento conocido como "Música Utilitaria" - En América, a varios compositores independientes - En Rusia, a numerosos compositores de la revolución. Luego de la guerra, crece su interés fue trabajar con tipos musicales dados, tratados en gran medida como "objetos" existentes que son sometidos a manipulaciones externas, puede remontarse a la reutilización de materiales folclóricos "prestados" que ya aparecía en sus ballets. Esta práctica alcanzó una forma más avanzada en el ballet "Pulcinella", lo que produjo en el compositor reconsiderar los principios estructurales fundamentales del Clasicismo del siglo VXIII que le proporcionaron las bases para su obra. Su intención no era volver al pasado sino revitalizar algunas concepciones composicionales tradicionales básicas en relación con la práctica contemporánea tanto armónica como rítmica.
El segundo movimiento hacia la modernidad, tuvo consecuencias aun más importantes que el Impresionismo. En este caso es en Viena y no en Paris donde se produce el proceso de cambio. Esta técnica se conoce con dos nombres: Expresionismo o atonalismo musical, según se considere como corriente estética o como revolución formal. Su "inventor" fue el compositor Arnold Schoenberg. En un período de dos años de asonbrosa actividad creadora, desde 1907 hasta 1909, Schoenberg llevó a cabo su ruptura final con la tonalidad y la armonía triádica moviéndose hacia el campo innovador del cromatismo libre y produciendo series de trabajos que alteraron de forma fundamental el curso de la música: El Segundo Cuarteto de cuerdas Op. 10; tres piezas para piano Op. 11; dos canciones Op. 14; entre otras. Su técnica consistía en: darle importancia a tonos no-armónicos haciendo imposible para el oyente deducir el contexto triádico existente; los acordes no están relacionados con los fundamentos triádicos consonantes más sencillos sino que son "series libres", capaces de existir por sí mismas. La melodía es libre, compuesta de saltos amplios, frecuentemente en forma de dientes de sierra. La música no se somente a ninguna forma.
Originariamente un movimiento pictórico creado por un grupo de pintores: Monet-Manet-Pizssarro-Degas-Renoir; quienes cambian ciertas coordenadas de la pintura europea, dando importancia a la luz y el color y rompen con el concepto anterior de linea. Con un poco de retraso en que se comienza a hablar de impresionismo en pintura, hay una respuesta en música iniciada por el compositor Claude Debussy; quien transforma una serie de parámetros de la música anterior. Trata de evitar que la melodía se pueda definir como modo mayor o menor. Usa escalas de música oriental, tonos enteros y pentatónicas, también influencias del organum medieval, entre otras. Favorece una evocación poética de los sentimientos más generalizada, una evocación de las impresiones, de la atmósfera de los paisajes: "una interpretación emocional de lo que es invisible en la naturaleza". Esta actitud se refleja en obras como: El preludio a la siesta de un fauno; Tres nocturnos; Sirenas (donde incorpora un coro femenino sin palabras) y la ópera Pelléas y Mélisande.
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