Recent Event Highlights: Conozca la historia de los 'beatboxers' peruanos, Savia Andina - Sonqoynanasqa (Historia del Charango), Música de Plectros en Colombia: Parte VI, Música de Plectros en Colombia:Parte V, Músicas de Plectro en Colombia: Parte I, Amaneceres- MOZART- Piano Sonata No.11 In A Major - Alla Turca, and 35 more...
Created by dipity on May 21, 2010
Last updated: 10/02/10 at 03:42 AM
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Carpenters era un dúo vocal e instrumental, compuesto por los hermanos Karen y Richard Carpenter. Con su estilo de pop melódico, estuvieron en el American Top 40, volviéndose los exponentes principales del rock suave o el genero adulto contemporáneo. Fue uno de los fenómenos musicales en EE.UU. La historia de los Carpenters como grupo se retrotrae a comienzos de los años 60, cuando Richard y Karen comenzaron a flirtear con algunos instrumentos, en especial Richard, que se inició en la instrucción de piano y actuaba con algunos grupos locales de jazz, mientras que Karen intentaba aprender a golpear la batería. En 1963 se trasladaron de su ciudad natal, New Haven (Connecticut) hasta Downey, en California. Allí Karen tuvo la oportunidad de grabar una canción llamada «Ill Be Yours» en Magic Lamp Records. En la grabación de este tema participó junto a Karen y Richard, Wes Jacobs, un músico que tanto tocaba el bajo como la tuba. Jacobs congenió bien con los hermanos Carpenter y formaron el Richard Carpenter Trio, un combo dedicado principalmente a recuperar los sonidos jazz, en 1966. El terceto conseguiría ganar un concurso musical en el Hollywood Bowl, lo que les permitió lograr un contrato con la RCA Records, pero que finalmente no supuso la grabación de ningún disco. Desanimado, Wes Jacobs abandonó a los hermanos para estudiar música. El siguiente proyecto del dúo sería una formación con querencia jazz llamada Spectrum, en la cual además de los hermanos Carpenter se ...
Conozca la historia de los 'beatboxers' peruanos Estos cuatro jóvenes tienen la habilidad especial de recrear sonidos de jazz, rap, electrónica y hasta de cumbia solo con la boca Martes 27 de abril de 2010 - 08:07 pm Hacen música, pero no precisamente con las manos ni con la voz. Estos cuatro jóvenes peruanos tienen la habilidad especial de emitir sonidos musicales con la boca, que llegan a ser tan parecidos a diversos instrumentos musicales y fácilmente confundibles. Pero la historia de este cuarteto conformado por Giancarlo Chávez, Diego Akamine, Paolo Falconí y Jesús Manyos es bastante curiosa. Se conocieron mediante unos videos que colgaban ellos mismos en YouTube en los que exponían su arte. Luego decidieron conocerse personalmente y compartir el tiempo que dedicaban a su afición en grupo. Aproximadamente ya tenemos como grupo dos años. Individualmente, cada uno tiene un tiempo aparte haciendo beatboxing indicó Giancarlo Chávez. Pero su relación estuvo claramente ligada con la competitividad. Y así los cuatro participaron en un concurso organizado por una emisora radial, en el cual, curiosamente, quedaron en los cuatro primeros puestos. La historia del Beat Box se remonta a los años ochenta, cuando fue creado. Por aquel entonces era considerado un arte callejero nacido en los barrios marginales de Estados Unidos, donde la gente empezó a emitir este tipo de sonidos porque no contaban con los medios económicos para hacerse de una radio.
Con este video doy por terminado una cantidad de grandes temas de los 80's. La música de los 90's ya se sentía desde los últimos años de la década pasada, y 1989 nos da un enlace perfecto para empezar a adentrarnos ya descubrir lo que estaba por venir. Si bien es cierto que desde los 80's la música electrónica era ya uno de los géneros más escuchados, los 90's nos demuestran que aún había mucho que explotar. El estallido de géneros como el Techno, el House, el Trance, entre otros aliados se ha dado con una fuerza impresionante.......es lo que casi todos escuchabamos en la radio o en las Discotecas (ya casi Antros). Pero tampoco hay que menospreciar a otros géneros muy diferentes como es el caso del Rap (en sus diversos estilos), ya que esta nueva década es la mejor época de este peculiar estilo. Otro de los géneros que estallaron en los 90's fué nada más ni nada menos que el Dance (muy distinto al Dance de mediados y finales de los 70's), dicho género reaccionaba gracias a la nueva presencia de aparatos electrónicos como sintetizadores y nuevos instrumentos musicales aún más técnicos, dinámicos y sofisticados. El Pop y el Rock jugaban un papel importante en los 90's, ellos equilibraban la música y además son de los géneros consentidos del público que ya se había hartado del Dance y del Rap.....¿o no?. Algunos grupos que hay que destacar para 1989 y 1990 son: Bad English y su mayor HIT de "Cuando te veo sonreir". Depeche Mode (todo un cliente de los 80's) se hace notar ...
Conferencia - Recital (Conférence - Concert) "El Clavecín", "Le Clavecin", "The Harpsichord" Primera Parte - Part 1 *************************** Jean-François Chauderge (Maître Luthier) *************************** Andrés Martínez Pardo (Clavecín) *************************** Conferencia - Recital sobre el Clavecín y los Instrumentos Históricos de Teclado realizada en la Universidad de los Andes, Bogotá, DC Colombia, Suramérica. Presentación de los instrumentos y principios de funcionamiento; L'art du Lutherie: Ideas sobre la construcción y manutención; Historia, las diferentes familias de clavecines, estilos y tendencias; Ilustraciones musicales sobre distintos instrumentos; Principios de afinación, los afectos, tempéraments inegaux.
La Gran cantante, arreglista, compósitora, y músico CARMIN Gabriela Martínez de la Mora y la HISTORIA de Pollito SU HIJO un caso extraordinario. Su primogénito que murió bastantes años atrás, pero que sigue con ellos a través de sucesos sobrenaturales.... Pollito se ha hecho famoso por todo México y fuera, a raíz de que éste caso a pesar de ser transmitido por primera vez en 2006 ya es uno de los favoritos, consentidos y más pedidos en el correo del programa EXTRANORMAL y ha tenido que ser retransmitido por las peticiones del auditorio. . TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS TV AZTECA 2010. CARMIN OFFICIAL MY SPACE DE CARMIN: www.myspace.com OFFICIAL GRUPO YAHOO DE CARMIN BAJA LA MUSICA DE CARMIN AQUI, DOWNLOAD HER MUSIC HERE:: mx.groups.yahoo.com CARMIN ha gozado de un gran éxito en la escena musical mexicana A mediados de los 80's el grupo CARMIN vendría a formarse con la participación de 4 jovencitas entre las cuales se encontraba ELY GUERRA, que hacia coros, y ademas tocaban sus propios instrumentos con un estilo llamado TECNOPOP, sin embargo el alma y motor de este grupo siempre fue Gaby Martínez, quien después de colocar varios éxitos en la radio se quedaría con el nombre de CARMIN. Tras la separación de esta efímera agrupación entonces vendría un periodo de casi un año de intensa preparación, con la experiencia de los creadores de la imagen de Madonna, las coreografías de un experto y una espléndida producción musical CARMIN surge como una artista de proyección ...
Don Juan Ruiz, es hijo del inolvidable ejecutante de la tamborita calentana como fue Martín Ruiz Luciano, músico que por años acompañara a Juan Reynoso Portillo. Don Juan es heredero de una técnica tradicional para elaborar tamboritas calentanas, que data de mas de un siglo. En esta ocasión, rodeado de una caravana de músicos que lo visitaron, nos platica una parte de la historia en la fabricación de la emblemática tamborita calentana, el instrumento que sin su ritmo no se entendería, o mejor dicho no se oirían nada bien los gustos y sones de Tierra Caliente, no con las característica de esa región musical. Además, Don Juan nos platica sobre la entrevista que sostuvieron: Martín Ruiz, Zacarías Salmerón, entre otros, con el Presidente de la Republica Miguel Alemán, en una presentación que hicieron en la Ciudad de México, donde les prometió dotarles de instrumentos musicales, promesa que fue cumplida. Don Juan, como todo guerrerense, pelea con la vida para mantenerse de pie y seguir elaborando cientos de tamboritas, allá en su natal San Juan Mina, Municipio de Tlapehuala, Guerrero. México. Pronto les publicaremos un poco de lo que ha hecho esta gloria de la música calentana.
El charango es un instrumento musical vigente en las regiones altiplánicas de la Cordillera de Los Andes en América del Sur. Posee cinco pares de cuerdas aunque hay variaciones con menos o más cuerdas pero (casi) siempre en cinco órdenes o juegos. El charango tiene una trayectoria centenaria en Bolivia y el Perú,[1] y también tiene importante presencia en la música de Argentina, Chile, y Ecuador. En las portadas de varias iglesias del siglo XVIII del departamento Potosí (Bolivia), y otros lugares de lo que hasta 1825 era Alto Perú, asi como también en la catedral de Puno[2] (Perú) existen sirenas esculpidas tocando pequeños cordófonos que probablemente ya fueron denominados charango en esos tiempos. Por primera vez apareció este instrumento musical en un documento escrito en el año 1814 cuando un clérigo de Tupiza (departamento de Potosí, Bolivia) mencionó "unos guitarrillos muy suyos, que por acá llaman charangos". Hasta los años cincuenta del siglo XX aparentemente el charango nuevamente casi solamente se tocaba en las regiones rurales, por los citadinos muchas veces despreciadamente considerado de "instrumento de indios". A partir del año 1944 el Boliviano Mauro Nuñez, primero en Lima y más adelante en Bolivia y Argentina, empezó a no solamente divulgar la música folclórica con charango sino de renovar la música de charango, creando un estilo propio que ha dejado sus huellas profundas en la música andina hasta hoy día. Era él quien por primera vez, y por siempre ha ...
Grupo: Torre Fuerte Canción: Serenata Espiritual Género: Adoración, pop, balada, rock cristiano País: México Integrantes: Los integrantes de Torre Fuerte son: Héctor Hermosillo: Voz y Guitarras, Heriberto Hermosillo: Voz y Teclados, Gaspar Altamirano:bajo, Jorge Mendoza: batería y Gabriel Hernández: teclados. El grupo Torre Fuerte ha marcado a toda una generación cristiana, ya que ha animado y desafiado a los jóvenes a involucrarse en la Gran Comisión durante su creciente carrera musical. El grupo fue reconocido en el año de 1997 por GMA (Gospel Music Association) con el «International Award» en reconocimiento a su impacto ministerial y nominados para los Dove Awards en 1998 con su álbum Tú x Mí. Su calidad musical era impresionante, excelente música y letras claras y edificantes, en su época fueron de los grupos cristianos más exitosos y hasta la fecha su música sigue sonando y ha hecho historia, pero además de músicos, eran predicadores del evangelio, se dedicaron a compartir la palabra de Dios con otros artistas como por ejemplo a Fermin IV, Yuri ya su esposo, María del Sol, y otros más. Nacieron en México, Héctor y Heriberto Hermosillo crecieron desarrollando su talento musical gracias a la visión de su madre, ellos la reconocen como la mujer que Dios usó para determinar los momentos decisivos dentro de sus vidas, ella fué quien descubrió sus talentos musicales y reunió dinero para comprar los mejores instrumentos musicales para sus hijos. Su madre fue quien los llevo ...
Imágenes del CONVERSATORIO Y AUDICIÓN titulado JOYAS MUSICALES EN LA HISTORIA DE LOS INSTRUMENTOS DE PLECTRO EN COLOMBIA. En el actual campo de las músicas tradicionales colombianas, se hace importante realizar un análisis de su desarrollo, a través de los registros sonoros. Es así como en el marco del Primer Seminario Internacional de Músicas de Plectro que se realizó del 27 de septiembre al 2 de octubre en la ciudad de Bogotá, tuvimos la oportunidad de conocer cuáles han sido los cambios y transformaciones que han tenido instrumentos como la bandola andina, el tiple, y el tiple requinto, a través de una exposición a modo de historia auditiva la cual nos permite traer a la memoria, sonidos, formas y estilos propios de las música del interior colombiano, así como también, sus propuestas y retos actuales. En esta oportunidad, fue invitado al espacio Los Martes Musicales el maestro Ricardo Mendoza (ricardomendoza@bandolitis.com) quien nos ilustró con distintas joyas musicales a través de la percepción de distintos elementos musicales, evidenciando el tejido acústico que conforma lo que se ha venido reconociendo como músicas de plectro aquellas producidas con instrumentos de cuerda tañidos con el pick, pluma, pajuela o plectro. Durante este seminario, se realizaron talleres, conferencias, conciertos y maratón de plectros. Se pretendió evidenciar los desarrollos actuales de las músicas realizadas con bandola andina, bandola llanera, tiple, tiple requinto, mandolina y ...
Imágenes del CONVERSATORIO Y AUDICIÓN titulado JOYAS MUSICALES EN LA HISTORIA DE LOS INSTRUMENTOS DE PLECTRO EN COLOMBIA. En el actual campo de las músicas tradicionales colombianas, se hace importante realizar un análisis de su desarrollo, a través de los registros sonoros. Es así como en el marco del Primer Seminario Internacional de Músicas de Plectro que se realizó del 27 de septiembre al 2 de octubre en la ciudad de Bogotá, tuvimos la oportunidad de conocer cuáles han sido los cambios y transformaciones que han tenido instrumentos como la bandola andina, el tiple, y el tiple requinto, a través de una exposición a modo de historia auditiva la cual nos permite traer a la memoria, sonidos, formas y estilos propios de las música del interior colombiano, así como también, sus propuestas y retos actuales. En esta oportunidad, fue invitado al espacio Los Martes Musicales el maestro Ricardo Mendoza (ricardomendoza@bandolitis.com) quien nos ilustró con distintas joyas musicales a través de la percepción de distintos elementos musicales, evidenciando el tejido acústico que conforma lo que se ha venido reconociendo como músicas de plectro aquellas producidas con instrumentos de cuerda tañidos con el pick, pluma, pajuela o plectro. Durante este seminario, se realizaron talleres, conferencias, conciertos y maratón de plectros. Se pretendió evidenciar los desarrollos actuales de las músicas realizadas con bandola andina, bandola llanera, tiple, tiple requinto, mandolina y ...
Imágenes del CONVERSATORIO Y AUDICIÓN titulado JOYAS MUSICALES EN LA HISTORIA DE LOS INSTRUMENTOS DE PLECTRO EN COLOMBIA. En el actual campo de las músicas tradicionales colombianas, se hace importante realizar un análisis de su desarrollo, a través de los registros sonoros. Es así como en el marco del Primer Seminario Internacional de Músicas de Plectro que se realizó del 27 de septiembre al 2 de octubre en la ciudad de Bogotá, tuvimos la oportunidad de conocer cuáles han sido los cambios y transformaciones que han tenido instrumentos como la bandola andina, el tiple, y el tiple requinto, a través de una exposición a modo de historia auditiva la cual nos permite traer a la memoria, sonidos, formas y estilos propios de las música del interior colombiano, así como también, sus propuestas y retos actuales. En esta oportunidad, fue invitado al espacio Los Martes Musicales el maestro Ricardo Mendoza (ricardomendoza@bandolitis.com) quien nos ilustró con distintas joyas musicales a través de la percepción de distintos elementos musicales, evidenciando el tejido acústico que conforma lo que se ha venido reconociendo como músicas de plectro aquellas producidas con instrumentos de cuerda tañidos con el pick, pluma, pajuela o plectro. Durante este seminario, se realizaron talleres, conferencias, conciertos y maratón de plectros. Se pretendió evidenciar los desarrollos actuales de las músicas realizadas con bandola andina, bandola llanera, tiple, tiple requinto, mandolina y ...
Ahora ha tocado el turno a Francia, el país con ritmos que en la mayoría de los casos van dirigidos al amor, a las parejas, al placer de enamorarse y de hacer el amor. La "musette" fué, es y será el género tradicional por excelencia que distinguirá a Francia con el resto de los países europeos. Pero Francia no nada más hace uso de la "musette" para establecer su indentidad musical; existen otros estilos que van de región a región, como por ejemplo tenemos algunas danzas regionales como el "rigodon" o que tal la música occitana (en la frontera con su país vecino, Italia). Francia tampoco se ha salvado de un instrumento musical que ha hecho historia, me refiero las gaitas de la región central, y yo creo que ni quisiera salvarse de poseer tan bellos y cautivadores instrumentos. -Para mi muy particular punto de vista: Francia posee las gaitas mas bellas en cuanto a decoración se refiere-. Espero puedan gozar de esta maravilla musical. Saludos. NOTA: Aprovecho esta breve nota para recordarles que la publicación de cada uno de mis videos de "Música del Mundo" lleva un orden alfabético (de la A a la Z). En algunos casos podrán ver variaciones en el color de los fondos de los textos con la única finalidad de variar ligeramente el diseño de la presentación y no mantenerlos con el mismo color desde la "A" de Afganistán hasta la "Z" de Zimbabwe. Si tienes comentarios públicos o privados puedes hacerlo por "youtube" mismo oa través de mi e-mail y messenger: raulo_leono@hotmail.com ...
BIOGRAFÍA DE MOZART: Compositor austriaco del periodo clásico y uno de los más influyentes en la historia de la música occidental. Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. A los seis años Mozart era ya interprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Todavía hoy se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a esa edad. En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes de Europa. Durante este periodo compuso sonatas, tanto para clave como para violín (1763), una sinfonía (1764), un oratorio (1766) y la ópera cómica La finta semplice (1768). En 1769 fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo, y en La Scala de Milán el Papa le hizo caballero de la Orden de la Espuela Dorada. Ese mismo año compuso Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). Al año siguiente le encargaron escribir su primera gran ópera, Mitrídates, rey del Ponto (1770), compuesta en Milán. Con esta obra su reputación como músico se afianzó todavía más. Mozart volvió a Salzburgo en 1771. El cargo de Mozart en la ciudad no era remunerado, pero le permitió componer un gran número de ...
HICE ALGUNAS MODIFICACIONES AL VIDEO QUE INICIALMENTE COLGUE POR UN ACTO DE JUSTICIA Y DE RESPETO A LA HISTORIA DE LA CUMBIA PERUANA, INICIALMENTE HICE EL VIDEO CON LA IMAGEN DEL GRUPO LIDERADO POR VICTOR RAMIREZ QUE SURGIO LUEGO DE LA DIVISION DE LOS ORIENTALES DE PARAMONGA HAY QUE ACLARAR QUE SON POQUISIMAS LAS IMAGENES DE ESTE GRUPO MUSICAL, ESTA IMAGEN ES LA MAS DIFUNDIDA EN INTERNET PERO NO ES LA IMAGEN DEL GRUPO ORIGINAL, EDITE NUEVAMENTE EL VIDEO PONIENDO INICIALMENTE LA FOTO DEL GRUPO ORIGINAL QUE GRABO LOBOS AL ESCAPE, LA DANZA DEL MONO Y TANTOS EXITOS MAS, LUEGO VIENE LA FOTO DE MAXIMILIANO CHAVEZ EL DIRECTOR FUNDADOR DE ESTE GRUPO MUSICAL Y AL FINAL LA IMAGEN QUE MAS ABUNDA EN INTERNET O SEA LA DEL GRUPO DE VICTOR RAMIREZ QUE SURGIO LUEGO DE LA DIVISION DE ESTE GRUPO MUSICAL (UN POLITICA MUY USADA Y FOMENTADA EN ESOS TIEMPOS POR LAS DISQUERAS RIVALES PARA DISPUTARSE A LOS ARTISTAS OSEA SONORADIO VS DINSA) DEBO HACER NOTAR COMO UN HOMENAJE A MI COLEGIO MIGUEL GRAU DE PARAMONGA QUE AYER CUMPLIO 48 AÑOS DE CREACION QUE TODOS LOS INTEGRANTES DE LOS ORIENTALES DE PARAMONGA PERTENECEN A LAS PRIMERAS PROMOCIONES DE ESTE COLEGIO DONDE ESTUDIARON, FUERON COMPAÑEROS DE CARPETA Y EN SUS AULAS Y EN LAS HORAS DE RECREO SE FUE GESTANDO LA CREACION DE LA CUMBIA PERUANA POR QUE ESO SUCEDIO ANTES QUE ENRIQUE DELGADO (DENOMINADO PADRE DE LA CUMBIA PERUANA) GRABARA SU PRIMER EXITO MUSICAL, LA MAYORIA DE LOS EXITOS DE LOS ORIENTALES FUE UNA CREACION COLECTIVA DE TODOS SUS ...
UNESCO: Lista representativa (2008) URL: www.unesco.org Descripción: Esta forma antigua de narración, famosa por sus marionetas minuciosamente elaboradas y por lo complejo de sus estilos musicales, surgió en la isla indonesia de Java. Durante diez siglos, el wayang se desarrolló tanto en las cortes reales de Java y Balí como en los medios rurales. Hoy, no sólo se practica en esas islas, sino también en Lombok, Madura, Sumatra y Borneo, donde se han desarrollado distintos estilos locales de interpretación y de acompañamiento musical. Si esas marionetas fabricadas artesanalmente con esmero son de diversas tallas, formas y estilos, dominan dos grandes tipos: la marioneta de madera de tres dimensiones (wayang kitik o golèk), y la marioneta del teatro de sombras, lisa y de cuero (wayang kulit), cuya silueta es proyectada en sombra chinesca en una pantalla. Ambos tipos se distinguen por sus trajes, los rasgos de la cara y los cuerpos articulados. El dalang (maestro marionetista) manipula cuidadosamente los brazos mediante unas varillas muy finas fijadas en las marionetas. Para reforzar el efecto dramático, los cantantes y los músicos interpretan melodías complejas acompañándose de instrumentos de bronce y de gamelan (tambores). En otra época, los marionetistas eran considerados como personas cultas y expertas en transmitir con su arte valores morales y estéticos. Las palabras y las acciones de los personajes cómicos, que representaban al hombre llano, constituían artificios ...
UNESCO: Lista representativa (2008) URL: www.unesco.org Descripción: El muqam uyghur del Xinjiang es un término general para designar una variedad de prácticas de muqam muy difundidas entre las comunidades uyghur, que forman una de las minorías étnicas más grandes de la República Popular de China. A través de su historia, la región del Xinjiang se ha caracterizado por un alto nivel de intercambios culturales entre el Este y el Oeste, debido en particular a su situación en la Ruta de la Seda. El muqam uyghur del Xinjiang es una mezcla de cantos, danzas, música popular y clásica, y se caracteriza por la diversidad del contenido, de las danzas, de los estilos musicales y de los instrumentos que se utilizan. Los cantos varían en ritmo y compás y son interpretados por solistas o por grupos. La letra de los cantos no solamente contiene baladas populares, sino también poemas escritos por los maestros clásicos uyghur. Así, los cantos reflejan una amplia gama de estilos tales como poesía, proverbios, narraciones populares, lo que constituye un testimonio de la historia y la vida contemporánea de la sociedad uyghur. En los conjuntos de muqam, los instrumentos principales se hacen con materiales locales y varían en su forma (pueden ser de cuerda y arco, punteados o instrumentos de viento). Los estilos de danza se caracterizan por los pasos, ritmos y formaciones específicas, así como por sus figuras (coger flores con la boca, llevar cuencos sobre la cabeza) y sus imitaciones de ...
A finales de los 80 y principios de los años 90, el techno se convirtión en una de las movimientos musicales más difundidas en Italia y España, en pocas discotecas no se oía el famoso y peculiar sonido de las mezclas y los sintetizadores, uno de los grupos pioneros de esta tendencia musical, y de los más importantes fue ATAHUALPA,(Claudio Collino, Juan Manuel Váquez Avila, Johnny Hans Figueroa R., Piero Pizzul y Mario Pinosa), surgido en Italia, peruanos, que fusionaron instrumentos andinos a los sonidos electrónicos. En 1998 un anime japonés llamado NAZCA (Tenkū Tenshō ), se inspira en la cultura peruana, al margen de la incoherencia histórica, geográfica, y estética, este anime, de culto como ocurre con muchas de estas producciones, es el único que toca el tema peruano, y nos debería hacer reflexionar en lo rica de nuestra cultura, que ofrece tantas posibilidades, y la mayoría sin explotar, la cultura no es propiedad privada de nadie, ni un producto en venta con derechos reservados,es un valor que sino se enseña, se pierde. Tal vez podamos ver algún día una serie didáctica, ya la vez entretenida, que si se ajuste a la historia. La música y el anime no tienen relación, pero merecen ser conocidos.
Madrid, 25 ago (EFE).- El Teatro Fígaro-Marsillach abre su temporada con "La verdadera historia de los hermanos Marx", una comedia de enredo que pretende recrear el espíritu irreverente de los populares cómicos. La obra, un "caos" de una hora y media de duración, según su director, Álvaro Lavín, mezcla la improvisación con los gags más típicos de los Marx e incluye también una serie de números musicales similares a los de las películas de Groucho, Chico y Harpo, aunque en esta ocasión se ha prescindido de los instrumentos.
It's All Coming Back To Me Now Del album (1996) "Falling Into You" fue el álbum con el que Dion por fin logró establecer su popularidad mundial y mostró mayor progresión en su música. En un intento para llegar a un público más amplio, el álbum combina muchos elementos en la orquestación como violines, guitarras españolas, saxofones, y arreglos de cuerda de Paul Buckmaster que dieron un nuevo sonido al álbum, además de los coros que fueron cantados por africanos, por lo que fueron de bajo costo. Las canciones abarcan una gran variedad de estilos musicales, como "River Deep, Mountain High" un cover de Tina Turner hace prominente los instrumentos de percusión, "It's All Coming Back to Me Now" (una canción escrita por Jim Steinman y anteriormente gravada por Pandora's Box) y el cover de Eric Carmen "All by Myself" dejaban una atmósfera de Soft-Rock en el álbum, además del típico uso del piano en la balada "Because You Loved Me", escrita por Diane Warren y que sirvió de banda sonora para la película Up Close & Personal en 1996. También se puede distinguir el uso del saxofón en la balada "Falling Into You". Dion también interpretó el clásico de Aretha Franklin "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman". Falling Into You ganó dos premios Grammy en 1997 en las categorías "Álbum del año" y "Mejor Álbum Pop" además de ganar diversos premios a través de todo el mundo y es uno de los albums más vendido de la historia. DERECHOS RESERVADOS Columbia Records, Epic - Sony Music Entertainment
Delirante cameo de Ben Stiller en el film "Tenacious D in The Pick of Destiny" (2006) protagonizada por Jack Black & Kyle Gass, la secuencia de Stiller es realmente uno de los momentos álgidos de esta descacharrante comedia, en el que encarnando al pasadísimo de vueltas dependiente de una tienda de instrumentos musicales les narra a los protagonistas la "supranatural" historia del origen de una púa mágica que andan buscando (una "uña" según el subtítulo, en español sudamericano, ya que la traducción es literal). Realmente divertida y cachonda esta secuencia.
Manuel Suárez-Violin Jorge Suárez- Piano Live at Carnagie Hall-1973 MANUEL SUAREZ ANGELES Violinist and conductor started his studies in the Conservatory of Mexico. In 1960 was graduated at the Curtis Institute of Music in Filadelfia and in 1964 he obtained at the antique Soviet Union the master's in pedagogy,Chamber Music,History of rub strings, Orchestra leader ship and Doctorate in violin performance. Soloist, concertino and guest-conductor in the best orchestras around the world, he obtained any kind of recognitions and prices during his career. Was a permanent teacher in the National School of Music of UNAM(Mexico) and soloist of Bellas Artes with the "trío México". Between the years of 1983 and 1985 had the permanent leadership of the orchestra of the State of Mexico. This orchestra has introduced in it's concerts a great number of world famous guest-conductors and soloits, such as Ruggiero Ricci, Henryk Szeryng, Mayumi Fujikawa, Zvi Zeitlin, Hermilo Novelo, Mark Peskanov, Román Revueltas, Félix Parra and Manuel Suárez as well. With out doubts Manuel Suárez was one of the best violin players of Mexico. MANUEL SUÁREZ ÁNGELES Violinista y Director de Orquesta Realizó sus primeros estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de México. En 1960 se graduo en el Curtis Institute of Music de Filadelfia y en 1964 obtuvoen la antigua Unión Soviética las maestrías en Pedagogía, Música de Cámara, Historia de los Instrumentos de Cuerda Frotada, Dirección Orquestal ...
Manuel Suárez-Violin Jorge Suárez- Piano Live at Carnagie Hall-1973 MANUEL SUAREZ ANGELES Violinist and conductor started his studies in the Conservatory of Mexico. In 1960 was graduated at the Curtis Institute of Music in Filadelfia and in 1964 he obtained at the antique Soviet Union the master's in pedagogy,Chamber Music,History of rub strings, Orchestra leader ship and Doctorate in violin performance. Soloist, concertino and guest-conductor in the best orchestras around the world, he obtained any kind of recognitions and prices during his career. Was a permanent teacher in the National School of Music of UNAM(Mexico) and soloist of Bellas Artes with the "trío México". Between the years of 1983 and 1985 had the permanent leadership of the orchestra of the State of Mexico. This orchestra has introduced in it's concerts a great number of world famous guest-conductors and soloits, such as Ruggiero Ricci, Henryk Szeryng, Mayumi Fujikawa, Zvi Zeitlin, Hermilo Novelo, Mark Peskanov, Román Revueltas, Félix Parra and Manuel Suárez as well. With out doubts Manuel Suárez was one of the best violin players of Mexico. MANUEL SUÁREZ ÁNGELES Violinista y Director de Orquesta Realizó sus primeros estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de México. En 1960 se graduo en el Curtis Institute of Music de Filadelfia y en 1964 obtuvoen la antigua Unión Soviética las maestrías en Pedagogía, Música de Cámara, Historia de los Instrumentos de Cuerda Frotada, Dirección Orquestal ...
SONATA A DÚO PARA VIOLIN Y VIOLA (Tercer movimiento, Allegro) Manuel Suarez, violín/ viola Jorge Barrón Violín/ viola (desconozco quien toca el violín y quién la viola, pero tengo la impresión que Suárez toca el violín en este track) MANUEL SUÁREZ ÁNGELES Violinista y Director de Orquesta. Realizó sus primeros estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de México. En 1960 se graduo en el Curtis Institute of Music de Filadelfia y en 1964 obtuvoen la antigua Unión Soviética las maestrías en Pedagogía, Música de Cámara, Historia de los Instrumentos de Cuerda Frotada, Dirección Orquestal y Doctorado en Ejecución Violinística. Solista, concertino y director huésped de las principales orquestas del mundo, obtuvo todo tipo de reconocimientos y premios a lo largo de su trayectoria. Fue profesor titular en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y concertista de Bellas Artes con el Trío México. Entre 1983 y 1985 ocupó la titularidad de la Orquesta Sifónica del Estado de México. Esta orquesta ha presentado en sus conciertos a un gran número de directores huéspedes y solistas escogidos entre los más destacados del orbe,tales como los violinistas Ruggiero Ricci, Henryk Szeryng, Mayumi Fujikawa, Zvi Zeitlin, Hermilo Novelo, Mark Peskanov, Román Revueltas, Félix Parra y el mismo Manuel Suárez. Sin duda alguna Manuel Suárez fue uno de los mejores violinistas que ha dado México MANUEL SUAREZ ANGELES Violinist and conductor started his studies in the Conservatory of Mexico ...
SONATA A DÚO PARA VIOLIN Y VIOLA (Segundo movimiento, In tempo di sarabanda, andante espressivo) Manuel Suarez, violín/ viola Jorge Barrón Violín/ viola (desconozco quien toca el violín y quién la viola, pero tengo la impresión que Suárez toca el violín en este track) MANUEL SUÁREZ ÁNGELES Violinista y Director de Orquesta. Realizó sus primeros estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de México. En 1960 se graduo en el Curtis Institute of Music de Filadelfia y en 1964 obtuvoen la antigua Unión Soviética las maestrías en Pedagogía, Música de Cámara, Historia de los Instrumentos de Cuerda Frotada, Dirección Orquestal y Doctorado en Ejecución Violinística. Solista, concertino y director huésped de las principales orquestas del mundo, obtuvo todo tipo de reconocimientos y premios a lo largo de su trayectoria. Fue profesor titular en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y concertista de Bellas Artes con el Trío México. Entre 1983 y 1985 ocupó la titularidad de la Orquesta Sifónica del Estado de México. Esta orquesta ha presentado en sus conciertos a un gran número de directores huéspedes y solistas escogidos entre los más destacados del orbe,tales como los violinistas Ruggiero Ricci, Henryk Szeryng, Mayumi Fujikawa, Zvi Zeitlin, Hermilo Novelo, Mark Peskanov, Román Revueltas, Félix Parra y el mismo Manuel Suárez. Sin duda alguna Manuel Suárez fue uno de los mejores violinistas que ha dado México MANUEL SUAREZ ANGELES Violinist and conductor started his ...
SONATA A DÚO PARA VIOLIN Y VIOLA (primer movimiento, Allegro, piuttosto moderato) Manuel Suarez, violín/ viola Jorge Barrón Violín/ viola (desconozco quien toca el violín y quién la viola, pero tengo la impresión que Suárez toca el violín en este track) MANUEL SUÁREZ ÁNGELES Violinista y Director de Orquesta. Realizó sus primeros estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de México. En 1960 se graduo en el Curtis Institute of Music de Filadelfia y en 1964 obtuvoen la antigua Unión Soviética las maestrías en Pedagogía, Música de Cámara, Historia de los Instrumentos de Cuerda Frotada, Dirección Orquestal y Doctorado en Ejecución Violinística. Solista, concertino y director huésped de las principales orquestas del mundo, obtuvo todo tipo de reconocimientos y premios a lo largo de su trayectoria. Fue profesor titular en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y concertista de Bellas Artes con el Trío México. Entre 1983 y 1985 ocupó la titularidad de la Orquesta Sifónica del Estado de México. Esta orquesta ha presentado en sus conciertos a un gran número de directores huéspedes y solistas escogidos entre los más destacados del orbe,tales como los violinistas Ruggiero Ricci, Henryk Szeryng, Mayumi Fujikawa, Zvi Zeitlin, Hermilo Novelo, Mark Peskanov, Román Revueltas, Félix Parra y el mismo Manuel Suárez. Sin duda alguna Manuel Suárez fue uno de los mejores violinistas que ha dado México MANUEL SUAREZ ANGELES Violinist and conductor started his studies in the ...
Tears for Fears es una banda musical de Soft-Rock y New wave fundada por Curt Smith y Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con Supertramp y Spandau Ballet. Canciones como "Everybody Wants to Rule the World", "Shout" y Sowing the Seeds of Love" convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos más importantes de los años '80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial. Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como "Woman in Chains". Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción "The Seeds of Love" de 1989, producciones "Elemental" (1993) y "Raoul and The Kings of Spain" (1995). Siempre fueron un grupo más ambicioso y destacado que el resto de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´sy principios de los 80's como Duran Duran, Depeche Mode entre otros. Las ...
Tears for Fears es una banda musical de Soft-Rock y New wave fundada por Curt Smith y Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con Supertramp y Spandau Ballet. Canciones como "Everybody Wants to Rule the World", "Shout" y Sowing the Seeds of Love" convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos más importantes de los años '80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial. Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como "Woman in Chains". Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción "The Seeds of Love" de 1989, producciones "Elemental" (1993) y "Raoul and The Kings of Spain" (1995). Siempre fueron un grupo más ambicioso y destacado que el resto de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´sy principios de los 80's como Duran Duran, Depeche Mode entre otros. Las ...
Tears for Fears es una banda musical de Soft-Rock y New wave fundada por Curt Smith y Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con Supertramp y Spandau Ballet. Canciones como "Everybody Wants to Rule the World", "Shout" y Sowing the Seeds of Love" convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos más importantes de los años '80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial. Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como "Woman in Chains". Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción "The Seeds of Love" de 1989, producciones "Elemental" (1993) y "Raoul and The Kings of Spain" (1995). Siempre fueron un grupo más ambicioso y destacado que el resto de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´sy principios de los 80's como Duran Duran, Depeche Mode entre otros. Las ...
Heredando la pasión musical de su padre, Rafael Azarias Pacheco, quien fue director y clarinetista de una de las orquestas más famosas de la época, La Orquesta Santa Cecilia. su primer instrumento musical lo recibe de su padre a una temprana edad. Cuando tenía once años, la familia Pacheco emigra a Nueva York donde johnny continua puliendo sus habilidades musicales. Desde joven aprendió a tocar instrumentos tales como el acordeón, Violin, Saxofón y Clarinete. Asistió a la prestigiosa escuela de música Jilliard donde estudio percusión, lo que lo llevo a ser el mejor percusionista en su momento. Es uno de los más conocidos interpretes de lo que conocemos como Salsa de todos los tiempos y ha realizado grabaciones con los artistas más famosos de la historia. A fines de los años 50, Pacheco fue conguero y bongosero en el cuarteto de estilo jazz latino de Charlie Palmieri, época en la que en la comunidad latina de Nueva York, el sonido impactante de la orquesta de charanga del cubano José Fajardo, en la que predominaban la flauta y los violines, inspiraron a Palmieri para lanzar su Charanga "La Duboney" con Pacheco en la flauta. Después de grabar un álbum juntos, se generaron diferencias profesionales entre Pacheco y Palmieri y Pacheco decidió separarse y formar su propia charanga. En 1960 organiza su primera orquesta, la legendaria Pacheco y su Charanga. La Orquesta firma con el sello Alegre con el cual vende más de 100.000 copias de su primer álbum titulado Pacheco y su ...
Granada (España), 8 dic (EFE), (Imagen: Jesús Fernández Álvarez).- Rescatados del tiempo y del olvido, unos mil instrumentos antiguos originales de países tan remotos como Nepal, Bután, Australia o Congo integran una curiosa colección que, en una sala de apenas unos metros cuadrados de una vivienda en Granada, evoca la historia y la tradición musical de pueblos y tribus de los cinco continentes. Desde las populares zampoñas o flautas de pan que amenizan las ceremonias de ancestrales comunidades indígenas de América Latina, hasta un santur, una especie de cítara creada en la Persia del siglo IX y ascendiente directo de la guitarra en occidente, la muestra resucita aquellos sonidos y ritmos que acompañaron en su avance a legendarios ejércitos en sus campañas militares o que acompasaron los ritos funerarios de clanes familiares relevantes de la antigüedad. "Toda una oportunidad para acercarse a la identidad ya la intrahistoria de otras culturas", tal y como ha descrito a EFE el propietario de la recopilación, Aarón García, quien ha empleado más de treinta años en conformar este repertorio a través de sus diversos viajes por el mundo.
ALBORADA Sixto Ayvar, fundador y líder del grupo afirma que "me siento orgulloso como peruano de difundir nuestra música en quechua que por un momento tuvo la amenaza de extinguirse pero ha resurgido y ahora gusta mucho en Europa". Respecto a si se han sentido marginados en el viejo continente contesta que no porque "nos damos cuenta de la inmensa riqueza cultural que tiene nuestro país, yo me siento dichoso de haber nacido en esta tierra, en mi Perú, y ser descendiente de los incas". Afirma que el única arma para defenderse de esa terrible plaga que discrimina a unos por el color de la piel, es saber quién es uno "nuestro mensaje para las nuevas generaciones es que primero recorran nuestro territorio y sepan de su historia y de la cultura inka y que se sientan orgullosos de ese pasado". Alborada es un grupo musical que puede hablar con mucha autoridad de ese tema porque ellos nunca han desmerecido el valor de personas diferentes a ellos o de culturas diferentes a la nuestra, muy por el contrario, se han alimentado y han crecido gracias al aporte de músicos de otras nacionalidades como Lennin (de Ecuador) y de variadísimos instrumentos que provienen de todas partes de mundo, desde el lejano oriente hasta a otros de los nativos de Norteamérica, amén de las que consideran autóctonas de nuestra América indígena, tales como los bombos, quenas, flautas, zampoñas, etc. Alborada tiene más de un mérito artístico, tal vez el más importante sea no haberse dejado aplastar por los ...
Les Luthiers con un hilarante Bolero intitulado Perdònala (entonces seria un Bolèrolo) rigurosamente del vivo. La historia de un tipo con grandes problemas que el cuenta con su cancion, Les Luthiers se encargan de divertir al estilo que desde los 60 impone este grupo Argentino Les Luthiers (hacedores o creadores de instrumentos) LES LUTHIERS - ARGENTINA Los Le Luthiers se caracterizan por ser músicos profesionales y por expresar un humor fresco, elegante y sutil. Tienen a gala el hacer reír con la música pero no de la música, con instrumentos informales creados por ellos mismos a base de materiales de la vida cotidiana; de ahí su nombre: Les Luthiers, que significa en francés, creadores de instrumentos musicales. Ver mas www.usamanufacturingguide.com LES LUTHIERS SUS OBRAS Les Luthiers cuentan la ópera (1967) Todos somos mala gente (1968) Blancanieves y los siete pecados capitales (1969) Querida Condesa (1969) Les Luthiers Opus Pi (1971) Recital '72 (1972) Recital sinfónico '72 (1972) Recital '73 (1973) Recital '74 (1974) Recital '75 (1975) Viejos fracasos (1976) Mastropiero que nunca (1977) Les Luthiers hacen muchas gracias de nada (1979) Los clásicos de Les Luthiers (1980) Luthierías (1981) Por humor al arte (1983) Humor dulce hogar (1985) Recital sinfónico '86 (1986) Viegésimo aniversario (1987) El reír de los cantares (1989) Les Luthiers, grandes hitos (1992) Unen canto con humor (1994) Bromato de armonio (1996) Todo por que rías (1999) Do-Re-Mi-Já (2000) El grosso ...
El Barberillo de Lavapiés: compuesta por Francisco Asenjo Barbieri, con libreto en tres actos de Luis Mariano de Larra (1930-1901), se estrenó en el Teatro de la Zarzuela el 19 de diciembre de 1874. Puesta en escena de la Asociación Cultural Romanza, Lima - Perú 2008. Historia: LaMuy Gloriosa, Osada y Peregrina Tuna de la Universidad de San Martín de Porres fue fundada en el año 1979 en los claustros de la facultad de derecho por iniciativa de los estudiantes que dispuestos a romper con el rigor de sus estudios y vivir la experiencia universitaria más allá de las aulas, empuñaron sus instrumentos musicales llevando arte y alegría por el Perú y el mundo. Actualmente La Tuna Universitaria de la San Martín está compuesta por estudiantes de todas las facultades. Letra: El barberillo de Lavapiés (Jota de los estudiantes) Estudiantes: Ya los estudiantes, madre, han venido de Alcalá, y antes de la Nochebuena se van a desaminar. Unos de latín, otros de moral, y otros de gazuza experimental. Coro general: A la jota, jota de los estudiantes, que con la bellota se pondrán más grandes. A la jota, jota, tienen un tragar, ¡qué con la bellota van a reventar! Estudiantes: Ya los estudiantes, madre, han vuelto desaminados, y se va a subir el precio de las cucharas de palo. ¡Qué hay en los conventos, cuando no los ven, estudiantes, madre, que comen por tres! Coro general: A la jota, jota de los estudiantes, que con la bellota se pondrán más grandes. A la jota, jota, tienen un tragar, ¡qué ...
PARA MÁS INFORMACIÓN O CONTRATACIONES INGRESAR A www.gamblingshows.com.ar o por teléfono: (5411)4373-1188. BEATLEBAND Representando toda la magia y la fuerza que caracterizó al particular sonido del cuarteto de Liverpool, abarcando todas las etapas desde sus comienzos en Hamburgo (Alemania), pasando por la beatlemanía y la psicodelia hasta el impecable final de su segunda época. CLASSIC ROCK & ROLL BAND Un amplio recorrido por todos los clásicos del Rock y del Pop de los 50´s, 60´sy 70´s. Con un despliegue técnico de excelencia logrado mediante la utilización de instrumentos y vestuario de aquellas épocas. Esto sumado a la increíble precisión y energía vertidas en el escenario crea una atmósfera única, capaz de transportar mágicamente al espectador a lo largo de un recorrido intenso y conmovedor por los éxitos que marcaron un hito en la historia del rock. Los temas son interpretados con increíble exactitud y sobre todo respetando el particular sonido vintage de aquellas épocas, tanto a nivel vocal como instrumental, sin dejar de lado la fuerza y el magnetismo que caracteriza a The Walrus como banda en vivo, factor que los consagró como una banda única en su estilo. Desde el año 1998 interpretan de manera fabulosa un extenso repertorio de los mejores clásicos del rock & roll de los 60´s. Tienen mucha experiencia en fiestas privadas, restaurante -- shows, festivales musicales, casinos, teatros, shoppings, entre otros. Su espectáculo consta de un repertorio de más de treinta ...
www.vpenter.com 347)665-8550 917)721-1881 www.tunecore.com Lo mejor de la musica ecuatoriana con los vampiros de la rumba una historia de desengano. Música de Ecuador Introducción En las crónicas de los conquistadores se pueden encontrar referencias acerca del lugar que la música ocupaba en las comunidades indígenas, tanto a nivel festivo como ceremonial, pero lamentablemente no hay registros de fragmentos o piezas musicales. Esto, debido a la falta de un sistema de escritura musical en dichas comunidades en el período anterior a la colonia. Por eso se ha debido recurrir a otras fuentes para indagar, como instrumentos musicales hallados en las tumbas o el folklore actual. Estas investigaciones permiten afirmar que la música ecuatoriana, del período precolombino utilizaba un sistema pentatónico. Es sabido que las escalas de cinco tonos fueron usadas en el antiguo Egipto e India, y que en tiempos más recientes los pueblos quechuas, de la región andina (Ecuador, Perú y Bolivia) emplearon un sistema similar. La música quechua era monódica, privada de armonía. La ausencia de semitonos en las escalas no permitía recurrir a efectos cromáticos y de modulación. La línea melódica se movía entonces con total libertad y ése es uno de sus mayores encantos. La escala quechua se denomina pentatónica porque cada uno de los cinco sonidos que la forman puede considerarse como tónica de un modo diferente. Se sabe también que se realizaba con instrumentos de viento y percusión, fabricados ...
Sixto Ayvar, fundador y líder del grupo afirma que "me siento orgulloso como peruano de difundir nuestra música en quechua que por un momento tuvo la amenaza de extinguirse pero ha resurgido y ahora gusta mucho en Europa". Respecto a si se han sentido marginados en el viejo continente contesta que no porque "nos damos cuenta de la inmensa riqueza cultural que tiene nuestro país, yo me siento dichoso de haber nacido en esta tierra, en mi Perú, y ser descendiente de los incas". Afirma que el única arma para defenderse de esa terrible plaga que discrimina a unos por el color de la piel, es saber quién es uno "nuestro mensaje para las nuevas generaciones es que primero recorran nuestro territorio y sepan de su historia y de la cultura inka y que se sientan orgullosos de ese pasado". Alborada es un grupo musical que puede hablar con mucha autoridad de ese tema porque ellos nunca han desmerecido el valor de personas diferentes a ellos o de culturas diferentes a la nuestra, muy por el contrario, se han alimentado y han crecido gracias al aporte de músicos de otras nacionalidades como Lennin (de Ecuador) y de variadísimos instrumentos que provienen de todas partes de mundo, desde el lejano oriente hasta a otros de los nativos de Norteamérica, amén de las que consideran autóctonas de nuestra América indígena, tales como los bombos, quenas, flautas, zampoñas, etc. Alborada tiene más de un mérito artístico, tal vez el más importante sea no haberse dejado aplastar por los ...
Escuela de Percusion Siete Octavos "MORENO LATE" Moreno Late es una red que propone a niños, adolescentes y jóvenes de los barrios de Santa Elena, de Altos de la Reja y Casasco del Partido de Moreno talleres de percusión, en estos ámbitos barriales no solo se aborda la enseñanza de los contenidos musicales sino que también se trabaja para generar la participación y el protagonismo de estos niños, jóvenes y sus familias y así potenciar las propuestas educativo-culturales de los barrios. Esta iniciativa en los próximos años se ampliara consolidando una escuela popular de percusión y danza. Moreno Late propone como parte del proceso de aprendizaje el abordaje del origen, la historia, los géneros, los ritmos y danzas del mundo, como así también el estudio y la investigación en talleres de Luthería para la fabricación de los instrumentos. Líneas de acción Artística Aborda la enseñanza de los contenidos a través de un proceso que potencie la autonomía de los niños y jóvenes Capacitación Mediante diferentes talleres la iniciativa es brindar herramientas a las personas e instituciones que impulsan el proyecto de manera que los proyectos crezcan se autogestionen y tomen un curso creativo Intercambio Se realizan diferentes intercambios con instituciones y grupos, que estén abordando la misma temática con el fin de articular y potenciar fuerzas y recursos. Difusión Participación en eventos, intercambios, jornadas, programas radiales y televisivos, conciertos, grabaciones de CD ...
Sonero Clásico del Caribe: En 1976, en pleno boom comercial de la salsa, el arquitecto Domingo "El Flaco" Álvarez organizó un concierto-recital en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, en Caracas, para ilustrar un ciclo de conferencias que dictaba por esos días llamado: Son Montuno y Guaguancó. Quería demostrar cómo en el origen y evolución del son, se encontraba la columna vertebral de las expresiones musicales contemporáneas del Caribe, incluyendo, por supuesto, la salsa. El Flaco Álvarez recurrió a un grupo de músicos que habían aprendido el son en su forma más genuina y pura, formando un sexteto a la manera de los que existían en la Habana de los años 20. El conjunto recibió el nombre de "Los Pures", apelativo que los jóvenes en Venezuela daban a las personas de edad avanzada. La reunión fue todo un éxito. Surgió así el Sonero Clásico del Caribe, fundado y dirigido por el músico Carlos Emilio Landaeta, mejor conocido como "Pan con Queso", quien era una especie de enciclopedia viviente de la historia de la música popular, y reconocido luthier de instrumentos de percusión, admirado en todo el Caribe. La experiencia musical de Pan con Queso, avalada por sus participaciones en la Orquesta de Alfonso Larrain (1947), La Sonora Caracas (1948), la Orquesta Billo's Caracas Boys (1951) y Los Dementes (1968), lo inducen, junto a los demás integrantes del Sonero, a investigar ya difundir los tradicionales géneros musicales cubanos: guaracha, guajira ...
A fines de la decada de los 90's un movimiento musical completamente nuevo, comenzaba a gestarse, cuando cuatro simpaticos jovenes oriundos de la coqueta ciudad de mar del plata decidieron adquirir ilegalmente un set de instrumentos musicales y asi devolver a esta rama del arte tantos buenos momentos vividos, fue asi que nacio "LA JUANITA" un conjunto under rock con marcadas influencias punk, liderados por la dulce e inconfudible voz de "el colo", las melodicas guitarras de "el monchi" las innovadoras escalas de bajo de "maxi" y los ritmos fluctuantes de bateria de "cannizzo" Despues de algunos exitos solistas del colo como "muevelo, muevelo" y "estoy verde no me dejan salir" (tema del mitico charly, version folk-hiphop) sumados a las animaciones de fiestitas infantiles, la juanita comenzo a ganar terreno en el ambito under de la ciudad, convirtiendose con el tiempo en una banda de culto para toda una generacion.. pasados los años, la fama pudo con estos muchachos, monchi fue procesado por acoso y toqueteo a menores, maxi fue internado por su adiccion a las castañuelas, cannizzo reafirmo sus convicciones religiosas y abrio un templo evangelista, y el colo dio a la fuga sin ningun motivo aparente, pero dicen los que saben que esta por ahi, suelto, y asechando entre las sombras...
Inti Illimani "Alturas". Solo La Cancion. Inti-Illimani, sol del Illimani, nevado imponente que se yergue en las alturas andinas de La Paz, Bolivia. Es el nombre con que el grupo fue bautizado en agosto de 1967 por el guitarrista de ascendencia boliviana Eulogio Dávalos, dada la fuerte pasión por la música del altiplano andino que ya en sus inicios muestra el grupo. Después de cuarenta años transcurridos desde entonces, su nombre se identifica con la historia musical del continente latinoamericano, con sus instrumentos más característicos, con la historia de sus pueblos y los del mundo, sus luchas, con su geografía y sus sabores, significa amistad y solidaridad. Inti Illimani es música. Más aún, es cultura. Es una historia traspasada e influenciada por los tiempos y vientos sociales. Inti-illimani surge fiel a los nuevos aires que brotan en muchos lugares del mundo durante la década de los 60 que, en el caso chileno, a partir de Violeta Parra, cambia la manera de entender y cultivar la canción y en general, la música latinoamericana. Nacido en mayo de 1967 en el seno de la Universidad Técnica del Estado, Inti illimani se constituyó rápidamente en uno de los grupos emblemáticos del notable movimiento musical chileno conocido como "la nueva canción chilena". Su trabajo instrumental multifacético, habla también de una búsqueda que entrecruza disciplinas muchas veces separadas; lo popular y lo clásico se vuelve un todo en sus creaciones que parecieran mostrarnos el folclore ...
La Salsa, con sus raices en Cuba, involucró a Colombia con la aparicion de la radio en 1929. El Mambo, Cha-cha-chá, Pachanga, Rumba, Bolero, Son Montuno y el SON CUBANO (ritmo original a la Salsa), acabarían por quedarse en la memoria y el cuerpo de por lo menos 4 generaciones de Caleños, gracias a la CMQ, Radio Progreso, Radio Habana, el disco y el cine. La cantante Celia Cruz dijo: "Salsa, es una forma diferente de nombrar la música cubana". Los cubanos rechazaron por largo tiempo el término SALSA, aunque muchos terminarian por aceptarlo. No importa que estos géneros musicales no hayan nacido aquí, de hecho, ningún género músical se ha producido en Cali, nunca hemos tenido una música autóctona nacida de nuestras entrañas, como sí lo podemos reconocer en otras regiones de Colombia. Estos ritmos llegaron temprano y continuan contagiando a las nuevas generaciones, tradicion que se ha mantenido por mas de 75 años. En los años 50, en Cali, se vivia y se bailaba como Guarachero. En 1957 aparece La Feria de Cali. La Pachanga, entró con gran fuerza. Luego llegarian otros ritmos que son bien recibidos como el Swing, Rock'n Roll, Boggie Woogie, Tap, Jazz, Twist y el Tango. Dámaso Perez Prado llegó a Cali por primera vez a principios de los años 60, a sus bailarines de Mambo se les unió una Caleña llamada Amparo Ramos Correa, a este le gustó su forma de bailar y la invitó a Mexico pero ella rehusó. En 1968 a cambio de Tito Puente, se arriesgó a traer a la Feria a dos estrellas en ...
XIII CONCURSO NACIONAL DE DANZAS - FESTISELVA AGOSTO 2007 RESEÑA HISTORICA La devoción religiosa del fuego fue como un elemento divino o sagrado para muchos pueblos indígenas tanto en nuestra amazonía como en muchos pueblo del mundo. Al igual que la adoración del sol, de la que no siempre se puede distinguir, la veneración del fuego es una de las primeras manifestaciones de carácter religioso desde que apareció el hombre. La llama puede ser en sí misma objeto de adoración o puede ser considerada como la expresión material de una divinidad o espíritu del fuego. Esta danza tiene por finalidad revalorar la historia de la provincia de Tocache, Región San Martín, es una danza creada en función de las fuentes históricas recopiladas en la Prov. De Tocache, cuya presencia cultural esta expresada en la cerámica, hachas de piedras, petroglifos, en la utilización del fuego, en los instrumentos musicales como el pinkullo y el shollento, representan a pobladores selvícolas que habitaron estas ubérrimas tierras a quienes los misioneros Franciscanos los denominaron los CHOLONES, siendo inculturados a partir del año 1676, teniendo como punto de partida la provincia de Pataz, estableciendo vías de ingreso a la selva por las cuencas de los ríos Tocache, Mishollo, dichos restos se exhiben el museo regional Roger Rumrril del Colegio Nacional Manuel Scorza, los escritos y crónicas se encuentran en el convento de Santa Rosa de Ocopa, mas tarde establecieron centros de evangelización: Tocache ...
La Salsa, con sus raices en Cuba, involucró a Colombia con la aparicion de la radio en 1929. El Mambo, Cha-cha-chá, Pachanga, Rumba, Bolero, Son Montuno y el SON CUBANO (ritmo original a la Salsa), acabarían por quedarse en la memoria y el cuerpo de por lo menos 4 generaciones de Caleños, gracias a la CMQ, Radio Progreso, Radio Habana, el disco y el cine. La cantante Celia Cruz dijo: "Salsa, es una forma diferente de nombrar la música cubana". Los cubanos rechazaron por largo tiempo el término SALSA, aunque muchos terminarian por aceptarlo. No importa que estos géneros musicales no hayan nacido aquí, de hecho, ningún género músical se ha producido en Cali, nunca hemos tenido una música autóctona nacida de nuestras entrañas, como sí lo podemos reconocer en otras regiones de Colombia. Estos ritmos llegaron temprano y continuan contagiando a las nuevas generaciones, tradicion que se ha mantenido por mas de 75 años. En los años 50, en Cali, se vivia y se bailaba como Guarachero. En 1957 aparece La Feria de Cali. La Pachanga, entró con gran fuerza. Luego llegarian otros ritmos que son bien recibidos como el Swing, Rock'n Roll, Boggie Woogie, Tap, Jazz, Twist y el Tango. Dámaso Perez Prado llegó a Cali por primera vez a principios de los años 60, a sus bailarines de Mambo se les unió una Caleña llamada Amparo Ramos Correa, a este le gustó su forma de bailar y la invitó a Mexico pero ella rehusó. En 1968 a cambio de Tito Puente, se arriesgó a traer a la Feria a dos estrellas en ...
La Salsa, con sus raices en Cuba, involucró a Colombia con la aparicion de la radio en 1929. El Mambo, Cha-cha-chá, Pachanga, Rumba, Bolero, Son Montuno y el SON CUBANO (ritmo original a la Salsa), acabarían por quedarse en la memoria y el cuerpo de por lo menos 4 generaciones de Caleños, gracias a la CMQ, Radio Progreso, Radio Habana, el disco y el cine. La cantante Celia Cruz dijo: "Salsa, es una forma diferente de nombrar la música cubana". Los cubanos rechazaron por largo tiempo el término SALSA, aunque muchos terminarian por aceptarlo. No importa que estos géneros musicales no hayan nacido aquí, de hecho, ningún género músical se ha producido en Cali, nunca hemos tenido una música autóctona nacida de nuestras entrañas, como sí lo podemos reconocer en otras regiones de Colombia. Estos ritmos llegaron temprano y continuan contagiando a las nuevas generaciones, tradicion que se ha mantenido por mas de 75 años. En los años 50, en Cali, se vivia y se bailaba como Guarachero. En 1957 aparece La Feria de Cali. La Pachanga, entró con gran fuerza. Luego llegarian otros ritmos que son bien recibidos como el Swing, Rock'n Roll, Boggie Woogie, Tap, Jazz, Twist y el Tango. Dámaso Perez Prado llegó a Cali por primera vez a principios de los años 60, a sus bailarines de Mambo se les unió una Caleña llamada Amparo Ramos Correa, a este le gustó su forma de bailar y la invitó a Mexico pero ella rehusó. En 1968 a cambio de Tito Puente, se arriesgó a traer a la Feria a dos estrellas en ...
La Salsa, con sus raices en Cuba, involucró a Colombia con la aparicion de la radio en 1929. El Mambo, Cha-cha-chá, Pachanga, Rumba, Bolero, Son Montuno y el SON CUBANO (ritmo original a la Salsa), acabarían por quedarse en la memoria y el cuerpo de por lo menos 4 generaciones de Caleños, gracias a la CMQ, Radio Progreso, Radio Habana, el disco y el cine. La cantante Celia Cruz dijo: "Salsa, es una forma diferente de nombrar la música cubana". Los cubanos rechazaron por largo tiempo el término SALSA, aunque muchos terminarian por aceptarlo. No importa que estos géneros musicales no hayan nacido aquí, de hecho, ningún género músical se ha producido en Cali, nunca hemos tenido una música autóctona nacida de nuestras entrañas, como sí lo podemos reconocer en otras regiones de Colombia. Estos ritmos llegaron temprano y continuan contagiando a las nuevas generaciones, tradicion que se ha mantenido por mas de 75 años. En los años 50, en Cali, se vivia y se bailaba como Guarachero. En 1957 aparece La Feria de Cali. La Pachanga, entró con gran fuerza. Luego llegarian otros ritmos que son bien recibidos como el Swing, Rock'n Roll, Boggie Woogie, Tap, Jazz, Twist y el Tango. Dámaso Perez Prado llegó a Cali por primera vez a principios de los años 60, a sus bailarines de Mambo se les unió una Caleña llamada Amparo Ramos Correa, a este le gustó su forma de bailar y la invitó a Mexico pero ella rehusó. En 1968 a cambio de Tito Puente, se arriesgó a traer a la Feria a dos estrellas en ...
La Salsa, con sus raices en Cuba, involucró a Colombia con la aparicion de la radio en 1929. El Mambo, Cha-cha-chá, Pachanga, Rumba, Bolero, Son Montuno y el SON CUBANO (ritmo original a la Salsa), acabarían por quedarse en la memoria y el cuerpo de por lo menos 4 generaciones de Caleños, gracias a la CMQ, Radio Progreso, Radio Habana, el disco y el cine. La cantante Celia Cruz dijo: "Salsa, es una forma diferente de nombrar la música cubana". Los cubanos rechazaron por largo tiempo el término SALSA, aunque muchos terminarian por aceptarlo. No importa que estos géneros musicales no hayan nacido aquí, de hecho, ningún género músical se ha producido en Cali, nunca hemos tenido una música autóctona nacida de nuestras entrañas, como sí lo podemos reconocer en otras regiones de Colombia. Estos ritmos llegaron temprano y continuan contagiando a las nuevas generaciones, tradicion que se ha mantenido por mas de 75 años. En los años 50, en Cali, se vivia y se bailaba como Guarachero. En 1957 aparece La Feria de Cali. La Pachanga, entró con gran fuerza. Luego llegarian otros ritmos que son bien recibidos como el Swing, Rock'n Roll, Boggie Woogie, Tap, Jazz, Twist y el Tango. Dámaso Perez Prado llegó a Cali por primera vez a principios de los años 60, a sus bailarines de Mambo se les unió una Caleña llamada Amparo Ramos Correa, a este le gustó su forma de bailar y la invitó a Mexico pero ella rehusó. En 1968 a cambio de Tito Puente, se arriesgó a traer a la Feria a dos estrellas en ...
La Salsa, con sus raices en Cuba, involucró a Colombia con la aparicion de la radio en 1929. El Mambo, Cha-cha-chá, Pachanga, Rumba, Bolero, Son Montuno y el SON CUBANO (ritmo original a la Salsa), acabarían por quedarse en la memoria y el cuerpo de por lo menos 4 generaciones de Caleños, gracias a la CMQ, Radio Progreso, Radio Habana, el disco y el cine. La cantante Celia Cruz dijo: "Salsa, es una forma diferente de nombrar la música cubana". Los cubanos rechazaron por largo tiempo el término SALSA, aunque muchos terminarian por aceptarlo. No importa que estos géneros musicales no hayan nacido aquí, de hecho, ningún género músical se ha producido en Cali, nunca hemos tenido una música autóctona nacida de nuestras entrañas, como sí lo podemos reconocer en otras regiones de Colombia. Estos ritmos llegaron temprano y continuan contagiando a las nuevas generaciones, tradicion que se ha mantenido por mas de 75 años. En los años 50, en Cali, se vivia y se bailaba como Guarachero. En 1957 aparece La Feria de Cali. La Pachanga, entró con gran fuerza. Luego llegarian otros ritmos que son bien recibidos como el Swing, Rock'n Roll, Boggie Woogie, Tap, Jazz, Twist y el Tango. Dámaso Perez Prado llegó a Cali por primera vez a principios de los años 60, a sus bailarines de Mambo se les unió una Caleña llamada Amparo Ramos Correa, a este le gustó su forma de bailar y la invitó a Mexico pero ella rehusó. En 1968 a cambio de Tito Puente, se arriesgó a traer a la Feria a dos estrellas en ...
Inti-Illimani, sol del Illimani, nevado imponente que se yergue en las alturas andinas de La Paz, Bolivia. Es el nombre con que el grupo fue bautizado en agosto de 1967 por el guitarrista de ascendencia boliviana Eulogio Dávalos, dada la fuerte pasión por la música del altiplano andino que ya en sus inicios muestra el grupo. Después de cuarenta años transcurridos desde entonces, su nombre se identifica con la historia musical del continente latinoamericano, con sus instrumentos más característicos, con la historia de sus pueblos y los del mundo, sus luchas, con su geografía y sus sabores, significa amistad y solidaridad. Inti Illimani es música. Más aún, es cultura. Es una historia traspasada e influenciada por los tiempos y vientos sociales. Inti-illimani surge fiel a los nuevos aires que brotan en muchos lugares del mundo durante la década de los 60 que, en el caso chileno, a partir de Violeta Parra, cambia la manera de entender y cultivar la canción y en general, la música latinoamericana. Nacido en mayo de 1967 en el seno de la Universidad Técnica del Estado, Inti illimani se constituyó rápidamente en uno de los grupos emblemáticos del notable movimiento musical chileno conocido como "la nueva canción chilena". Su trabajo instrumental multifacético, habla también de una búsqueda que entrecruza disciplinas muchas veces separadas; lo popular y lo clásico se vuelve un todo en sus creaciones que parecieran mostrarnos el folclore de un país imaginario, pero también real.
Al igual q el del Mixer de Sun Records, este video también es de "Objetos Perdidos.." del History Channel. Aquí se muestra, mediante entrevistas a sus inventores, el proceso creativo de uno de los mas revolucionarios instrumentos musicales. Aunque dudo de la veracidad de que los Beatles hayan usado uno, y al mediocre sonido del video; es muy interesante y entretenido para los "tecnomúsicos".
Pablo, Bárbara, Tomás y Nicole son KUDAI, el primer grupo pop chileno que incluye a hombres y mujeres en su formación. Pero eso no es todo, ésta no es su primera experiencia, más bien es la consolidación musical luego de 3 años de ensayos diarios y de entrar al mundo de la música y del espectáculo como niños que disfrutaban interpretando las canciones con las que sus padres alguna vez se enamoraron. Así es,porque los integrantes de KUDAI, es decir, Pablo, Bárbara, Tomás y Nicole, alguna vez fueron los que dieron vida a CIAO, el poder de los niños. En 2004 llegan renovados, luego de un trabajo sistemático y responsable, fruto de la decisión de seguir adelante en la música, con temas inéditos, que los identifican y en los que han plasmado parte de lo que son hoy y los intereses propios y de la juventud actual. Junto a importantes productores nacionales y contando con un equipo de primer nivel en lo musical, estos cuatro adolescentes (sus edades fluctúan entre los 14 y los 16 años) ya se han tomado las radios nacionales con el tema SIN DESPERTAR, primer single de su álbum VUELO. Para entender qué es KUDAI tomemos a cuatro estudiantes de la enseñanza media, citémoslos en Providencia y dejemos que lleguen desde el Arrayán, Puente Alto, Ñuñoa y Las Condes. Así parte todo, de la diversidad. Son cuatro jóvenes comunes y corrientes, algunos con la música en sus genes y otros que fueron descubriendo de a poco su pasión. Juntémoslos y dejemos que muestren sus aptitudes vocales, sus ...
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